Hemos estado con El Último Vecino justo el día después de lanzar su nuevo disco Juro y Prometo.
Los vimos tocar en Castellón y luego estuvimos charlando con ellos de muchas cosas, la vuelta a los escenarios sin restricciones, el proceso de grabación de este trabajo, sus nuevas canciones y videoclips y las ganas que tienen de tocar en salas, algo que hace demasiado que no pasa
Con motivo del reciente lanzamiento de su nuevo álbum ‘The River and The Stone’, así como su próximo concierto este sábado 15 de enero en el Palau de Les Arts de València, hemos charlado con David Schulthess (teclista de la banda) sobre el álbum, su grabación, las experiencias de este pasado año y los planes a futuro de Morgan.
Lleváis desde noviembre girando por salas para presentar vuestro nuevo disco “The River and the Stone”, ¿Qué tal está siendo la respuesta de público? ¿Cómo van respirando las canciones?
La verdad es que está siendo maravilloso. Echábamos mucho de menos el escenario y poder volver con este disco y con nuestro público, que creemos que es el mejor, pues es una tremenda suerte.
Este último disco lo habéis grabado en Le Manoir de Léon, Francia, ¿Qué tal la experiencia de grabar allí? Hemos visto por fotos en Google que las instalaciones son espectaculares.
Ha sido increíble. Queríamos mantener el ambiente de convivencia que traíamos los últimos meses, de medio autoconfinamiento y por eso pensamos en un estudio residencia, donde pudiésemos tanto grabar e inspirarnos como descansar y convivir. Le Manoir fue perfecto, las instalaciones y las personas que trabajan allí.
¿Cómo fue el proceso de composición? Tengo entendido que os pusisteis con ello después del confinamiento.
Eso es. En cuanto pudimos juntarnos nos fuimos a una casa en la sierra y la transformamos en nuestro local de ensayo. Estuvimos unos 6 meses desarrollando las canciones. Ha sido un acierto porque hemos podido tocar mucho, convivir y hablar de todo. Así que yo creo que ha sumado para el disco y para el futuro de nuestra banda.
En esta ocasión, la producción ha corrido a cargo de Campi Campón, ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar con él
Ha sido genial contar con el. Como te he comentado antes, llevábamos 6 meses y nos dio tiempo a montar 25 temas. La llegada de Campi fue genial porque ordenó muchas ideas, dio coherencia al disco, tuvo una visión externa y nueva.
Es un gran Productor y ha sido una suerte que se haya apuntado a esta aventura con nosotros.
Habéis lanzado un videoclip de la canción ‘River’, ¿Qué tal fue la grabación
Muy bien ya que pudimos contar con un equipo que eran prácticamente todos amigos nuestros. El curro de Juan García a la dirección ha sido sobresaliente. Gracias a todos los que han participado hemos podido sacar adelante este vídeo.
Pronto tocaréis en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia, ¿Cómo van los nervios? ¿Sois más de festivales o de teatros
La verdad es que somos más de tocar donde nos dejen. Teatros, festivales, auditorios, etc.
Somos muy conscientes de la suerte que tenemos pudiendo tocar gracias a los recintos y sobretodo a cada una de las personas que vienen a vernos cada vez.
Tenemos muchas ganas de que llegue el sábado y poder tocar en esa pedazo de sala.
Es un disco que nace en un momento difícil para la industria musical, el coronavirus ha tocado mucho el mundo de la música. ¿Qué creéis que falta por mejorar?
Ufff!! Son tantas cosas que podría hacer un monográfico sobre esta pregunta.
Pero lo que hace falta es que se valore la cultura. Que se invierta en ella y se apoye. Eso quiere decir que se apoye a quien genera cultura y por muy obvio que parezca ahí es donde se pierde esta idea tan sencilla. Es un sector totalmente descuidado. Pero más descuidado está el individuo que depende de este sector.
Ojalá podamos volver a trabajar y podamos avanzar como sociedad invirtiendo en un futuro con cultura y con “culturistas” 🙂
¿Cuáles son los planes que a corto medio plazo tenéis entre manos?
Ahora mismo disfrutar tocando con esta primera parte de la gira haciendo auditorios y teatros. En marzo nos embarcamos en la gira de Fito que tenemos muchas ganas y estamos muy agradecidos por la invitación. Y después ya veremos qué trae el futuro, nos iremos adaptando.
Hemos estado con Panxo, cantante de la banda valenciana Zoo para hablar de su último disco Llepolies, charlamos sobre las letras, que tratan de temas políticos y sociales, también de los videoclips y nos cuenta los inicios de la banda y la evolución de su música.
Habéis lanzado el tema Belly of the Whale, con la colaboración de Adriana Proenza, ¿Qué tal la respuesta del público?
La verdad que muy bien, después de las complicaciones que se han presentado nos ha servido para mostrar que volvemos con ganas! En Spotify no paran de subir la repros y estamos llegando a un público nuevo y diverso! A pesar de estar enamorados de los 60s nos encanta experimentar y probar a mezclar soul y psicodelia encontrando un equilibrio entre lo viejo y lo nuevo, es todo un reto de composición! En breve mostraremos más material y tenemos intención de no parar este año!
¿Cómo surgió la colaboración junto a Adriana Proenza? ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar junto a ella?
Adriana nos escribió por Instagram, le gustaba mucho nuestro proyecto y quería tocar con nosotros. La conocimos y desde entonces entró a formar parte de nuestras vidas. ¡En tiempo récord construimos el tema con la cabeza de los 8 trabajando a tope!
El tema trae videoclip, ¿Cómo fue la grabación?
Pues como todos los rodajes: ¡Bastante duros! Estuvimos dos días trabajando a tope, con poco conseguimos grandes resultados!!! En este aspecto siempre le agradeceremos a nuestro hermano Miguel Sierra (director y cámara) y Germán Leñaranda (fotografía e iluminación) su increíble trabajo. También a Fernando Álvarez Curran, con una energía desbordante en el papel de producción. Para que os hagáis una idea se me olvidó el bombo en el rodaje porque estaba destruido al tener piedras en el riñón, y en cuestión de 20 minutos Fer apareció con un Beverley Vintage por la puerta jajajajaja. Siempre duro y siempre divertido.
Sois una banda de siete componentes, donde hay una gran variedad de instrumentos, como el cello o el sitar. ¿Cómo os organizáis a la hora de componer y, en general, de trabajar en la música?
En la banda somos todos compositores, intentamos que haya un equilibrio de ideas y propuestas. Claramente no todos los temas piden Sitar o cello, así que a veces empleamos otros instrumentos, todo a disposición de lo que pida la canción. La verdad que tener un cello y un Sitar en la banda abre unas posibilidades te texturas increíbles, si le añades unos sintes hasta te puede explotar la cabeza. Chumi, Javi, Óscar y yo sentimos especialmente una ambición sinfónica para algunos temas y estos instrumentos nos acercan a saciarla. Organizarnos nunca es fácil al ser tantos, pero como ahora por ejemplo intentamos planear semanas de convivencia en nuestro estudio, y si estamos todos a una, es sorprendente la productividad e ideas que llegamos a plantear entre las 7 cabezas.
Sois una banda de siete componentes, donde hay una gran variedad de instrumentos, como el cello o el sitar. ¿Cómo os organizáis a la hora de componer y, en general, de trabajar en la música?
La verdad es que queremos mostrar dos caras, nuestra cara enérgica divertida y alegre y la más sinfónica e introspectiva. Sacaremos algunos singles bien animados antes de sacar un álbum en el cual intentaremos buscaremos una experiencia o viaje lleno de emoción para el oyente. No nos negamos nunca a alguna colaboración y estamos abiertos a cualquier reto compositivo. ¡Sí que podemos adelantar que se avecina algo bien funky estos días!
¿Qué tal ha sido el proceso de grabación de vuestro nuevo disco?
Continuamos en ello, es la primera vez que nos lanzamos a autoproducirnos con mimo y tiempo para ello, ¡Veremos como termina la cosa! Hasta entonces no pararemos de sacar singles. Tenemos muchas ganas de experimentar y buscar un sonido de estudio propio.
Belly of the Whale es una canción que nace en un momento difícil para la industria musical. Como artistas, ¿Qué creeis que falta por mejorar?
Y tan difícil, el Belly ha tardado más de un año en ver la luz por todo lo que ha pasado. El del arte nunca es un camino fácil, hay que estar unidos, apoyarnos entre las bandas trabajar duro y hacerlo todo desde el amor y la pureza.
Continuar este verano con la convivencia en el estudio grabando a tope. Mostraremos otro single-videoclip este julio, en septiembre octubre uno o dos singles más acompañados de un gran concierto posiblemente en un teatro pretendiendo saciar algunas inquietudes escenográficas y culminar con un álbum para final de año si el tiempo no juega demasiado en nuestra contra!
Fotografías de Manuel León
Charlamos con
Adrián Seijas y Pablo Seijas. Ambos son componentes de la banda NENO, un nuevo
proyecto musical integrado por cinco músicos que forman parte de otras bandas,
como Vetusta Morla, Xoel López o Misterioso Viaje Holanda, entre otros.
Nos cuentan que este proyecto nace de la amistad que comparten entre todos y de las ganas de pasarlo bien haciendo música.
Hablamos también sobre su primer single titulado “Fuimos Malos” y de la forma en que surgió este proyecto.
Fotografías por GUSTAFF CHOOS
El pasado 14 de mayo se lanzó “Incendio”, el que será tu tercer disco, ¿Qué puedes adelantarnos de este nuevo trabajo? Hemos leído que hay diferentes estilos en este disco, como el pop, influencias del hip-hop o melodías con raíces latinoamericanas. ¿De dónde nacen estas influencias?
Mis influencias tienen que ver con lo que escucho y lo que me emociona. Al final la canción de autora no es un género en sí (aunque es un debate interesante y tal vez otras personas defiendan que sí lo es). Me he identificado siempre y me sigo identificando como cantautora porque creo que se trata de un lugar de enunciación como artista, que tiene que ver con cierto compromiso con la verdad en lo que se dice o al menos con proponer lo que sea que se proponga con honestidad, además de componer todas las letras y las melodías de las canciones.
Así que junto a esto de ser cantautora, y los temas de los que hablo, que siempre andan atravesados por un deseo de sanación personal y liberación colectiva, junto a eso están todos los sonidos que me inspiran, que son bastante diversos. Latinoamérica y sus muchos géneros de raíz son una fuente infinita de aprendizaje y riqueza musical, y también hay muchos grandes nombres que hace tiempo tengo como referentes (Chavela Vargas, Violeta Parra, Mercedes Sosa, Silvio, Victor Jara, pero también los Zafiros, los Panchos y artistas de ahora como Natalia Lafourcade, Lila Downs y muchísima más gente). Y junto a eso, está el hip-hop, el R&B, neo-soul, producciones con electrónica, que son cosas que he escuchado mucho sobre todo en los últimos años, y que tenía muchas ganas de explorar por la potencia, la fuerza y la sensualidad que me transmiten. Unido a esto están los sonidos “de siempre” en mi cabeza, con los que he crecido: mucho pop y reggae, que siempre me salen por algún lado cuando compongo…
Es la primera vez que vas ir acompañada por una banda, ¿Cómo surge este cambio de formato?
Pues es un orgullo poder decir que al fin me acompaña una banda de personas que forman parte de mi proyecto. Creo que es el típico sueño de cantautora… El disco anterior ya se grabó en formato banda, pero no fueron músicxs implicados en La Otra porque en ese momento no había podido formar equipo todavía. Me encanta ir en acústico, la intimidad y la cercanía de ese formato, y también me encanta el formato de banda. Ahora compagino los dos, pero para producir y grabar las canciones ha sido un proceso maravilloso poder trabajarlas con más gente, que cada quien enriquezca mis propuestas iniciales con sus sonidos, siendo además todxs tremendxs artistas que saben un montón (han producido Edu Molina, Pablo Levin -batería en la banda-, Iker García -guitarrista de la banda- y Gabriel Vidanauta un tema y han hecho arreglos todxs lxs de la banda -además de Iker y Pablo, Paula Cánovas al bajo y Elena Cortés a las teclas). He aprendido un montón y creo que el disco suena precioso gracias al trabajo de todxs. Y se trata de eso para mí: de crecer aprendiendo con otrxs.
Hablas de que este disco tiene 12 temas cargados de verdad, son doce historias íntimas que tratan sobre la amistad, el amor o la libertad. ¿Te ha resultado sencillo abordar estos temas a la hora de componer?
Nunca es sencillo pero suele resultarme necesario. “La poesía es de quien la necesita”, dicen, y me gustaría poder elegir los temas de mis canciones pero no consigo elegir del todo. A veces sí que puedo intencionar reflexionar sobre algo, pero tiene que ser algo que me preocupe, que me atraviese, que me salve o que duela. Puras intensidades… Y con todo, hay canciones que me salen en una tarde y otras que tardo 2 años en terminar… un problema que a veces tengo es meterles demasiada mente. Cuando eso pasa, tengo que tirar lo que sea a la basura. Como en la vida, resulta que hay que encontrar un equilibrio, y en general estar “despierta”, se dice rápido pero del dicho al hecho… jeje
Ya se han lanzado adelantos de este nuevo trabajo, como el tema Selvática, Nunca canto sola y Sólo para ti, ¿Qué tal está siendo la respuesta del público?
Estoy muy agradecida con toda la gente que apoya mi proyecto, sé que en cada disco traigo muchos cambios y eso es arriesgado, porque lo seguro sería ceñirme a lo que me ha funcionado antes. El otro día me dijeron que el arte es ese lugar en el que realizarse, en el que puedes ser la persona que quieras, y me encantó nombrarlo así porque esa es la libertad artística que persigo y la que escojo priorizar. Por ahora me va muy bien considerando estos objetivos, y estoy impaciente por lanzar las canciones que aún están en la sombra porque aunque hay un hilo conductor, son muy distintas entre sí, ¡Así que ando nerviosa y con muchas ganas!
Ya hay fechas para la presentación de tu nuevo disco, 27 de mayo en Barcelona, 29 de mayo en Madrid y 4 de junio en Valencia. ¿Cómo vives los directos con las restricciones sanitarias? ¿Cómo llevaréis las canciones a vuestros directo?
Pues precisamente debido a las restricciones nos cancelaron el concierto del 27 en Barcelona y afortunadamente lo pudimos reprogramar para el 26 en La Nau. Yo tengo muchas muchas ganas de tocar las canciones nuevas, de compartir con la gente, porque al final todo culmina en ese momento ritual y mágico que son los conciertos. Todo el trabajo que hacemos en la sombra para mejorar las canciones y difundirlas termina por volver a través de los directos y la energía que se mueve ahí. Así que nuestro plan es dar lo mejor de nosotrxs para que aparezca esa magia. A pesar de las restricciones pero precisamente en este contexto, en el que estamos muy necesitadxs todxs de encontrarnos, encontrarnos de verdad.
Y desde el punto de vista logístico, las profesionales del espectáculo estamos viviendo con mucha dificultad todo esto. Ya éramos precarixs antes de la pandemia, por la falta de regulación y de reconocimiento de nuestros derechos laborales, pero ahora es mucho peor. El problema con los aforos reducidos es que ahora tenemos que pagar alquileres de salas muy grandes, organizar las giras una y otra vez porque constantemente hay cancelaciones y tocar para menos gente, y hacer más pases. Así que cobra infinito valor cada gesto de apoyo a proyectos culturales independientes en los tiempos que corren: cada disco, cada entrada cuentan un montón, para nosotrxs, y sabemos que también para quienes deciden apoyarnos.
Como trabajadora de la cultura, como decía antes creo que urge que en mi ámbito laboral haya una regulación y un reconocimiento de derechos que nos permitan hacer nuestro trabajo y vivir en condiciones dignas. Esto se asume como normal en otros sectores, en donde hay convenios colectivos, posibilidad de estar de baja, vacaciones etc. La inmensa mayoría de profesionales del espectáculo no tenemos acceso a nada de esto, y eso es un problema, porque dedicarse al arte o a los oficios técnicos que lo rodean es hoy un privilegio, y eso no puede ser. Podría seguir dando motivos, pero un buen resumen es la frase de lxs zapatistas que dice “para todxs todo”. La cultura no debe ser un privilegio, ni tampoco la creación. Quedo mucho por conquistar.
¿Cuáles son los planes que a corto medio plazo tienes entre manos?
Pues mi plan de volver a los conciertos lo antes posible y dar toda la vida que pueda a este disco que está apunto de nacer del todo. En lo concreto espero anunciar nuevas fechas por todo el estado para verano y otoño y espero que muchas más de ahí en adelante.
Deseo mucho poder volver a Latinoamérica, tanto a los países en los que ya he estado girando (México, Colombia, Chile, Argentina, Uruguay), como los que aún no pude visitar. También estoy deseando poder girar más con la banda, alternando este formato con el acústico, que seguirá siendo una parte importante de todo. Y tengo ganas de seguir grabando videos (todos los que pueda sin arruinarme), y hacer más colaboraciones, que están siendo una fuente de alegrías e inspiración. En conclusión, seguir explorando, aprendiendo y creciendo y que las canciones me lleven por todas partes.
1 marzo 2021
Charlamos con Borja Mompó sobre su primer disco en solitario. Nos cuenta que las canciones de este disco salieron de forma naturaL y que animado por otros músicos, decidió lanzarlo al público.
Dice que es un disco que tiene matices diferentes a los trabajos de Modelo de Respuesta Polar, siento esta la banda que ha liderado desde el 2012.
No puede adelantarlos detalles sobre las canciones y melodías de este disco ya que prefiere que sea su público el que transmita las sensaciones de estas nuevos temas.
5 enero 2021
Charlamos con The Magus, es una banda asturiana afincada en la capital que ha sacado su primer trabajo titulado ‘Collotoland’.
Está formado por tres canciones que son puro rock. Nos cuentan detalles sobre la grabación en Asturias, también de sus planes de futuro.
Y como hablamos con ellos minutos antes de dar su primer concierto en la sala Rockville de Madrid, nos transmiten los nervios y la alegría de poder dar por fin un directo toda la banda al completo.
16 diciembre 2020
Hemos visto que no habéis querido dar detalles de la música o la letra de las canciones de vuestro nuevo trabajo con la intención de no influir en el oyente, nosotros hemos tenido la suerte de poder escucharlo y podemos decir que seguís sonando a vosotros pero con nuevos matices, parece que sonáis en algunas canciones algo más urbanos, ¿puede ser? ¿Qué novedades trae este disco? ¿Nuevas influencias? ¿Nuevos sonidos?
Alvar: La música que hacemos viene de nuestro día a día, de la realidad que vivimos. Nos halaga que veáis algo de música urbana siendo de Burgos… jajaja. Intentamos seguir siendo nosotros mismos. Hemos mamado muchas cosas diferentes, desde el pop de Lana del Rey, hasta el rock de Fontaines D.C. o los Idles, pasando por Bad Religion, Compare Flow o The Felice Brothers.
Con ‘Ninguna Ola’ hemos intentado salir de nuestra zona de confort y nos hemos atrevido con elementos nuevos, como caja de ritmos o sintes para llegar a paisajes nuevos. Pero la esencia sigue siendo la misma.
‘Ninguna Ola’, vuestro nuevo LP, lo grabasteis en los estudios de Atlántico Blue de Lisboa. ¿Qué tal fue la grabación del disco?
Nacho: Ha sido una experiencia brutal. Es el estudio más impresionante donde hemos estado. Tienen todo el equipo que te puedas imaginar y que tantas veces hemos visto en los documentales de nuestros ídolos… Hemos grabado el disco tocando todos a la vez, en directo, sin claquetas ni metrónomos, mirándonos los unos a los otros como en el local. Estamos muy orgullosos.
Además nuestro día a día allí era de ensueño. Cerca de la playa, comiendo en un restaurante pequeño al lado del estudio y concentrados sólo en el disco. La pena fue que, a falta de tres días, nos tuvimos que volver a casa porque estalló toda la pandemia. Cuando se pudo volver a viajar fuimos a Gárate a grabar la canción que faltaba y luego al estudio de Raül para alguna voz que teníamos que acabar y empezar la mezcla.
La producción ha corrido a cargo de Raül Refree, un productor que ha trabajado con artistas como Christina Rosenvinge o El Niño de Elche, entre muchos otros artistas. ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar con él? Porque conocemos que en otras ocasiones habéis trabajado junto a otros productores como Steve Albini.
Jorge: Ha sido una experiencia muy gratificante y muy refrescante para nosotros. Nos ha ayudado a llegar a otro lugar, sin la necesidad de sobrecargar los siete tocando a la vez, buscando el sitio concreto en el que somos necesarios para encontrar la emoción. Lógicamente cada uno teníamos nuestro punto de vista acerca de cómo concebíamos este trabajo y hacia donde queríamos dirigirlo, pero hablando se entiende la gente.
Con Albini fue diferente, él no se involucró de esa manera, se considera ingeniero de sonido, no productor. Pero las dos experiencias han sido muy bonitas y de ambas nos llevamos un buen trabajo de estudio bajo el brazo.
Hemos leído que este disco está inspirado en el cambio durante estos dos últimos años, así que son canciones llenas de lugares y circunstancias diferentes. ¿Algo que podáis definirnos sobre los cambios de los que habláis? ¿Alguna experiencia en concreto que haya salpicado de lleno a este trabajo? Porque habláis de cambios a nivel personal, en la sociedad y también en el medio que nos rodea.
Caleb: Es verdad que estos dos años han sido muy intensos e importantes para el grupo compaginando la gira y la grabación de ‘Ninguna Ola’.
Las primeras demos ya estaban en 2018, han evolucionado bastante desde entonces, empapándose de todo lo que hemos compartido y aprendido como banda. Pero el cambio que inspira al disco no se reduce a nuestra propia experiencia, es un cambio más amplio. Todo está en constante cambio, la vida, el entorno, cambio de la percepción personal, el mundo.
Esperamos que cada persona al escucharlo pueda transportarse a sus propios recuerdos, momentos y quizás a otros que no ha vivido pero que puede imaginar a través de las canciones.
“La Vuelta” es el primer adelanto de vuestro nuevo disco y además trae un videoclip dirigido por Laura Sisteró. ¿Qué tal fue la grabación de este nuevo videoclip?
Caleb: Siempre es complicado encontrar las imágenes o el video que capten la esencia de la canción. Cuando se consigue, y ambos géneros artísticos se complementan, es la bomba. Quizás, por eso a los autores a veces les cuesta tanto encontrar a alguien que sea capaz de conectar y confiarle la canción.
Ya habíamos trabajado con Laura anteriormente en el videoclip de ‘Hay un fuego’ y sabíamos que era la persona indicada para dirigir este nuevo trabajo. Estamos muy contentos con el resultado, agradecidos con todo el equipo y con Aleix Esteban, que protagonizó el videoclip.
Este disco nace un año después de vuestro último concierto en el Palacio de los Deportes delante de 15.000 personas, pero además es un disco que nace en un momento difícil para la industria musical. ¿Qué creéis que falta por mejorar en la industria de la música? ¿Cómo afrontáis toda esta situación como banda?
Jacobo: Esta situación nos ha dejado ver los puntos más débiles de una industria poco unificada. La falta de leyes concretas para un sector tan particular, la falta de protección del trabajador, la temporalidad propia de la actividad… Ante esto el propio sector tiene que unificarse y sindicalizarse. Ojalá que todas las protestas sirvan para unirnos en unos mínimos y poder hacerlos visibles a las autoridades y a la sociedad en general.
Como banda, lógicamente, estamos preocupados por la situación, pero somos optimistas y creemos que se podrán conseguir cambios en un futuro próximo.
¿Cuáles son los planes que a corto medio plazo tenéis entre manos?
Nacho: Nuestra intención es tocar todo lo posible en 2021. Están las cosas muy complicadas para plantear una gira como siempre hemos hecho. Queremos hacer las cosas bien, así que vamos a ir anunciando conciertos a medida que tengamos cosas seguras. Pero vamos a tocar donde se pueda, en cualquier espacio que nos dejen… Todo lo que podamos.
Tocar y seguir haciendo canciones, ese es nuestro plan ahora mismo.
Fotografías por Laura Sisteró
13 noviembre 2020
Sois un grupo muy pero que muy reciente formado por Julio y Jorge, dos telecos que os conocisteis en la universidad y desde entonces no habéis parado de hacer música. ¿Cómo nace esa inquietud musical?
Jorge: Nos conocimos el primer día de universidad y surgió el flechazo 😛
Nos pasamos la carrera juntos entre prácticas, laboratorios de electrónica, miles de horas en clases… éramos muy de sentarnos en primera fila y no parar de rajar entre nosotros durante toda la hora, los profesores nos odiaban un poco…
Julio: Éramos los típicos plastas que se llevaban la guitarrita a los viajes de colegas y se pasaban todo el finde dando el coñazo. Una vez íbamos en un autocar volviendo de Gandía a Madrid, y como de costumbre, los dos íbamos dando la murga con la guitarra… el conductor del autobús paró en mitad del arcén, se levantó y dijo: o guardáis la p**a guitarrita u os bajáis ahora mismo de mi autocar… (yo creo que nuestros amigos estaban pensando lo mismo pero no se atrevían a decirlo)… y ahí nos dimos cuenta de que esto sólo podía ir a mejor…
Habéis lanzado “Dueles” vuestro primer single que invita a reventar la pista de baile en cada escucha y que ha sido producido por DJ David Van Bylen. ¿Qué tal fue el proceso de grabación y producción?
Ambos: Guau, tocáis uno de los puntos de los que más afortunados nos sentimos de este proyecto que es haber encontrado a David. Le conocimos a través de varios remixes increíbles que tiene, en particular hay uno de Second y otro de Kitai que te ponen los pelos de punta… y aunque no teníamos mucha esperanza en que quisiera trabajar con nosotros, le escribimos y ahora somos fans incondicionales suyos. Desde que hemos trabajado con David estamos locamente (y secretamente) enamorados de él (le pasa a mucha gente al conocerle como hemos presenciado en sus sesiones) y cada vez que hablamos y trabajamos con él intentamos (con poco éxito) que no se nos note… jijiji… (risa nerviosa) La verdad es que los tres somos muy parecidos y cada vez que alguien propone algo, en seguida a los demás les encanta.
Nuestro proceso creativo se puede resumir en pasarnos ocho horas mirando una pantalla de ordenador discutiendo sobre el sonido de un bajo, una reverb o un arreglo que suena durante menos de 5 segundos en la canción. Nos suele ocurrir que a nuestros amigos al enseñarles una canción que llevamos trabajando durante meses y les habíamos enseñado al poco de empezarla, nos preguntan ¿No habéis cambiado nada desde la última vez que me la enseñasteis? Imagínate nuestra cara de póker, ¿qué le respondes a eso?
Además “Dueles” trae un videoclip que refleja vuestra estética, ¿Qué podéis contarnos sobre este vídeo?
Julio: Con el video lo que queríamos era quitarnos el estrés… ¿tú sabes lo que libera romper tantas cosas? estrujar, explotar, romper, aplastar… ¡es genial! Toda la pintura que sale en el vídeo es realmente leche condensada coloreada… nosotros nos hemos quedado con las ganas de darnos un baño también, se acabaron todos los botes en el primer día de rodaje con Daniela (la actriz, que además es una escritora maravillosa)… o igual eso nos dijeron porque saben que nos la habríamos comido. Nos hemos quedado con esa espinita. También aceptaríamos que fuese dulce de leche o de Nocilla…. Almodovar, si nos estás leyendo, aquí te dejamos ideas para que nos llames cuando quieras ;P
El video ha sido fruto de una colaboración con John y Ana, de la productora audiovisual Colirio. Les conocimos a través de una campaña que habían hecho para una cadena de alimentación que nos encantó y trabajar con ellos ha sido brutal… son una fuente inagotable de ideas (a cual más loca) y siempre lo dan todo. Ya estamos trabajando con ellos en futuros videos.
Decís que sois una banda que reivindicáis el orgullo nerd sin complejos, que os enfocáis a letras frikis y la estética nerd como una inspiración Retro pero moderna, ¿fue una idea preconcebida o la idea de nerd nació de forma natural junto a la banda?
Jorge: En los 15 años que llevamos haciendo música en distintos proyectos, siempre nos decían que éramos muy nerds a pesar de que intentáramos ser rockeros, indies o cantautores… (aunque la mona se vista de seda…) y nosotros intentábamos ocultarlo, que no se nos notase, que si sombreritos, que si camisas hawaianas… pero esta vez hemos decidido crear un proyecto en el que seamos nosotros mismos… está guay no tener que quitarse las gafas de diario 😛
Las letras frikis nos surgen de manera natural al expresar nuestras vivencias… Nos gusta escribir sobre lo cotidiano, las cosas que nos pasan, nuestra forma de ver las cosas…
¿Cómo os organizáis a la hora de componer? ¿Cómo es vuestra forma de trabajar?
Ambos: Llevamos más de quince años trabajando juntos y esto hace que nos entendamos casi con mirarnos. Hemos desarrollado un lenguaje musical absurdo con el que sólo nosotros nos entendemos, de hecho, hemos cantado juntos tantas veces que nos mimetizamos sin querer, a veces nos cuesta distinguir la voz del uno de la del otro y esta vez hemos decidido cantar los dos juntos en todas las canciones… tenemos sincronizadas las vacaciones, las crisis vitales, los cambios de curro, los catarros, y las épocas de estrés… nuestro psicólogo dice que aún no hay motivo para preocuparse 🙂
Esperamos que pronto podamos conocer nuevas canciones, ¿Qué podéis adelantarnos sobre vuestros próximos temas? ¿Qué tipo de letras y melodías podremos encontrar en futuros trabajos?
Ambos: La siguiente canción se va a llamar “Circo”. Es una canción más pop que Dueles, con sonidos más veraniegos y alegres pero con una letra mucho más friki. También estamos trabajando en una versión que creemos que dará que hablar…
Vuestro primer tema nace en un momento difícil para la industria musical. ¿Qué creéis que falta por mejorar?
Julio: La verdad es que está siendo un momento realmente complicado para mucha gente: salas cerrando, conciertos cancelados, festivales pospuestos al año siguiente… puede que lo más inteligente hubiera sido esperar a que la situación cambiase para publicar canciones, pero una vez que teníamos nuestra primera canción acabada, lo que nos apetecía era compartirla con todo el mundo… en épocas tan duras como esta, creemos que todo puede ayudar y nosotros vamos a seguir publicando canciones en cuanto las tengamos, ya estemos cada uno en su casa confinados o disfrutando de una situación mejor que la actual.
¿Cuáles son los planes que a corto medio plazo tenéis entre manos?
Jorge: Pues de momento queremos seguir publicando canciones según las tengamos listas, tocar en directo en cuanto se pueda y sobre todo seguir pasándolo muy bien haciendo música. Nos sentimos muy identificados con la frase de La Llamada: Lo hacemos y ya vemos 🙂
9 noviembre 2020
El pasado 16 de octubre se lanzó “Funk Experience”, un trabajo junto a Carlos Porcel, pensado para bailar fuerte y disfrutar de los ritmos que tiene incrustados. Hemos leído que para Rubén Cuevas es un homenaje al funk y al soul que ha mamado durante su trayectoria como productor. ¿Qué tal ha sido el proceso de grabación? ¿Ha sido sencillo encontrar todos estos sonidos trabajando juntos?
El disco se puede decir que se ha compuesto casi al mismo tiempo que se ha grabado. Ese ha sido nuestro modus operandi. Luego, dejar las canciones reposar y a las semanas retomarlas y darles otra vuelta de tuerca.
Sencillo no es la palabra, lo que ha sido mucho trabajo y muchas horas de buscar lo que queríamos. Teníamos claro por dónde se debía ir y lo que buscábamos. Creo que hemos conseguido plasmar todo lo que eran ideas en nuestras cabezas a un álbum.
¿Cómo surgió la idea de trabajar en este nuevo disco?
Me mudé de Zaragoza a Alicante hace unos años. Conocí a Porcel por amigos comunes y enseguida empezamos a fluir y a jugar con la música. Este disco es la consecuencia de habernos conocido y nuestra posterior amistad y unión musical. Nos gusta pasar tiempo juntos en el estudio.
Rubén ha impartido cursos y charlas sobre su técnica de trabajo. A modo de sinopsis, ¿Qué podrías decirnos sobre tu forma de trabajar?
Yo soy de Sampler. Mis producciones siempre empiezan en las cubetas de una tienda de discos. Después de samplear, loopear, chopear, secuenciar y demás suelo tener una demo que retomo a los días, si me sigue gustando pues la continúo currando. Arreglos, sonido, efectos y demás. En esta parte de arreglos es ya cuando se puede contar con algún músico con buena visión que diga cosas, en este caso Porcel.
En este disco Porcel y yo hemos estado mano a mano en todo el proceso. A veces partíamos de un sampler mío y otras Porcel me daba una idea de melodía o bass en un break vacío. Y de ahí para adelante.
Hemos leído que Rubén cumple el mandamiento del buen productor, ser un buen melómano. ¿Cuál dirías entonces que son tus influencias? ¿Cuáles son los estilos que se han encontrado en este disco?
Mis influencias son muy variadas. Me encanta la música. Siempre el Funk, Soul y Jazz son piedras angulares. George Clinton, todo el mundo P-Funk, el universo James Brown con todo lo amplio de la palabra. El jazz-funk en general siempre me ha flipado y si es instrumental como Crusaders pues mejor. Soy muy fan de todo lo que huela a Quincy Jones o a Willie Mitchell. Queen y su sonido siempre ha sido un grupo de cabecera. Me flipa el Rock duro como Pantera, aunque en este disco no este muy representado. En general de todo lo que este bien mezclado se puede aprender la verdad. Hay que escuchar mucha música. Evidentemente Public Enemy, EPMD, RUNDMC y toda esa mierda de Rap clásico lo llevo por las venas.
¿Qué podéis contarnos de las letras? ¿Cómo trabajáis las letras en el funk?
Las letras de las que canta Porcel algunas son suyas y otras las hicimos a medias juntos en el estudio. Los rappers se han hecho cada uno su letra, como debe ser. La verdad que saliendo de las canciones con rappers no hay tanta letra, me hacia gracia sacar un disco muy instrumental.
Con el tema “Gordo Funk” habéis lanzado un videoclip de animación, de HarryBones, un escritor de graffiti desde el año 2001. ¿Qué tal ha sido trabajar con él?
Pues la verdad que ha sido un placer. Es un tío con su propio estilo, que hace lo que quiere y va a su bola. No sigue tendencias y eso dice mucho de él. Es un poco como nosotros jeje. Es muy rápido y siempre esta dispuesto eso dice mucho de él. Repetiría la experiencia seguro, él no lo sé (risas).
Es un disco que nace en un momento difícil para la industria musical. ¿Qué creéis que falta por mejorar?
Que desaparezca el puto virus que nos esta jodiendo a todos. Que toda la gente reme en la misma dirección para que esto pase lo antes posible. Y que se entere quien sea el competente que la cultura es segura, que la gente va a los sitios y sabe comportarse y al que no a la puta calle. Todo cerrado no es la solución… los tonos grises importan. Muchas familias dependen de eso.
¿Cuáles son los planes a corto medio plazo que tenéis entre manos?
Nos gustaría hacer algunos shows y mostrar a la gente que “Funk Experience” no es solo curro de estudio. En el escenario hay mucho que decir y entre el publico mucho que bailar y escuchar. Paz.
29 octubre 2020
Tu nuevo disco “5”, que salió el pasado 9 de octubre, es el quinto trabajo que publicas en tu carrera en solitario. Por lo que hemos leído y escuchado, es un disco versátil, hay géneros muy diferentes, como el jazz o el hip hop, melodías chill out, hay algunas incluso que recuerdan a sonidos árabes. ¿Cómo ha sido la labor de creación? ¿Ha sido difícil juntar todos estos sonidos en un mismo disco?
Bueno ya son muchos años mezclando estilos que llevo dentro, la música que desde niños nos acompaña va creando una personalidad que sin quererlo te lleva a crear cosas que ni si quiera tu sabías que existían, yo en mi caso me suelo dejar llevar por esas emociones que me transmiten los acordes, las melodías o esa letra que nace de la nada y se convierte en canción. Nunca empiezo pensando qué estilo tiene que tener. Con el tiempo ella misma te lo va pidiendo y al final sale lo que sale, todos somos todo y nada a la vez.
Como todos tus discos, este trabajo lo has grabado en La Chatarrería Estudios, un espacio en mitad de la montaña, construido a base de placas solares, un lugar que has hecho tu hogar donde convives con tu familia. ¿Cómo es tu forma de trabajar en La Chatarrería? ¿Es un espacio donde hacer música resulta más sencillo?
Para mí sí resulta más que sencillo porque muchas veces esa idea que surge a cualquier hora en cualquier momento tiene más facilidad para ser grabada. No depender de nadie nos hace más libres y para hacer canciones necesito esa libertad de poder crear en cualquier momento y que esa idea que está naciendo se quede grabada. En muchos de los casos es la que al final se queda en el disco.
La producción ha corrido ha cargo de Guillermo Quero y Elvira Mena. ¿Qué tal ha sido trabajar junto a ellos?
Pues ante todo muy familiar. Llevamos trabajando juntos muchos años y empezamos a encontrar las maneras de llevar a cabo estos proyectos que tanto trabajo cuesta llevar a buen puerto.
Has sido el encargado de diseñar la portada del disco, que parece ser que es como un boceto de tu propio imaginario. ¿Podrías darnos más pinceladas sobre lo que representa esta portada sobre tu música?
Para mí representan todas esas herramientas de trabajo que hace que todo esto exista. Sin todo eso, que no sólo son instrumentos, no sería posible hacer un disco. Vivimos tiempos raros en los que se hace música sin músicos.
Hablemos de las letras de tus canciones, hemos leído que eres un trovador del costumbrismo, un poeta de lo cotidiano. ¿De qué dirías que tratan estos temas?
Pues de lo más sencillo, lo que está tan cerca que a veces nos cuesta ver… De un dejarme llevar por senderos que desconozco y que nos llevan a sitios que desconocíamos para enseñarnos a mirar y a sentir la misma vida que sin sol no da calor.
En este disco aparece la canción “Ya Está” una colaboración junto a Natos y Waor. ¿Cómo surge esta colaboración? Hemos visto además que habéis lanzado un videoclip, obra de Adrián Groves, que representa la temática de la canción ya que el tema habla sobre la vida de los jóvenes del barrio.
Todo surge de esas casualidades que no existen pero que hace que acabes encontrándote en este camino con gente que tenías que encontrarte. Las canciones hablan de lo que cada uno quiera interpretar, no me gusta decir lo que para mí significan porque puede interrumpir esa interpretación de cada uno.
Es un disco que nace en un momento difícil para la industria musical. Como artista, ¿Qué crees que falta por mejorar?
Yo llevo aquí desde 2003 y por unas cosas u otras nunca ha sido un buen momento para la cultura en general. Son tantas las cosas que deberían mejorar que al final no sabes por dónde empezar ni a quien culpar, por eso la única manera es seguir haciendo. Si dejamos de hacer desaparecemos…
¿Cuáles son los planes que a corto medio plazo tienes entre manos?
Pues un poco eso: seguir haciendo, seguir creando, seguir viviendo…
13 julio 2020
Decís que en cada disco buscáis experimentar con sonidos y ritmos diferentes, ¿Qué melodías habéis trabajado en vuestro próximo álbum? Deciros que particularmente nos habéis alegrado la cuarentena, con “Divergencia” nos animasteis a bailar, suena muy fresco.
Este nuevo disco tiene su propia personalidad. Particularmente el hecho de que los estemos produciendo nosotros mismos, y gran parte está siendo grabado en nuestro estudio, nos permite libertad absoluta para experimentar. Ese factor también se hará sentir cuando se publique el resto del disco. Creemos que es una obra de propuesta.
El título de los trabajos que habéis adelantado de vuestro próximo disco tienen mucha fuerza, como son “Relámpago” o “La Batalla”. De hecho, hemos leído que este disco está dedicado a las generaciones más jóvenes, ¿De qué diríais que tratan las canciones de vuestro próximo disco?
La temática de las canciones varía. Ese aspecto no es algo que planeamos. Más bien reaccionamos a nuestro entorno y a la vida misma: Situaciones personales, espirituales… también hay crítica social en más de dos canciones, pero esta crítica es una que nos incluye a nosotros mismos, es a su vez una autocrítica. “La Batalla” es una de ellas, y otras cuantas que aún no se publican.
Hace unos meses nos llegó la noticia de vuestra colaboración con Lori Meyers en la canción “Tercer tipo”. Tenemos entendido que compartís una bonita amistad, ¿Por qué esta canción? ¿Cómo surgió la idea?
Sí, hay una linda amistad. Hemos tenido la oportunidad de compartir escenario acá en México y también en España. El año pasado nos llegó un video en donde los Lori interpretaban precisamente nuestra rola “Tercer Tipo”, tengo entendido que estaban dando un concierto en Galicia. Fue una muy grata sorpresa para nosotros escuchar esa interpretación en una tierra tan lejana para nosotros. Luego, a finales del año pasado tuvimos un concierto muy especial en el Palacio de los Deportes de la ciudad de México. Como ya sabíamos que en esos días Lori Meyers estaría en la ciudad para promoción, nos pareció una oportunidad perfecta para invitarlos a tocar con nosotros… Nos encantó la experiencia. Un día previo a este concierto nos juntamos para ensayar; y el video que conocen de “Tercer Tipo” con Lori fue precisamente aprovechando ese ensayo.
Hemos visto el videoclip de “Divergencia” donde salen varias personas bailando en casa y también vídeos con el hashtag “ImpulsoAlfaEnCasa”, en el que salís en un estudio tocando “Siempre Tú” y “Divergencia”. Suponemos que estos videos están grabados durante el confinamiento. ¿Podría decirse entonces que a Enjambre no le para ni una pandemia? ¿Qué plantes de futuro tenéis entre manos en esta nueva normalidad?
Así es. Tanto el video de “Divergencia”, como los promocionales para Radio Alfa se han dado durante el confinamiento. Como muchos, a pesar de este confinamiento buscamos la mejor manera de seguir en contacto con la gente y seguir presentando canciones nuevas. Un lado optimista de todo este encierro es que hemos podido trabajar de lleno en la composición y grabaciones del resto del álbum. Justo estamos por terminar esta etapa de grabación, pretendemos sacar el disco nuevo en su totalidad antes de que termine este verano, Dios mediante.
Aunque vuestra banda se formó en California, en 2008 decidisteis mudaros a México para desarrollar vuestra carrera. Este cambio de aires, ¿Supuso un antes y un después para la banda? ¿Qué caminos abrió esta decisión a Enjambre?
Definitivamente. En California ya nos estábamos acostumbrando al mismo circuito de lugares en donde tocar, la misma gente, las mismas oportunidades limitadas al estigma de “rock en español” … Nunca nos gustó esa clasificación porque enconaba mucho el medio y la industria en que nos desplazábamos. Cuando nos mudamos a la ciudad de México esa etiqueta automáticamente desapareció. Desde México pudimos ver ese punto pivotal en el que la banda rápidamente comenzó a desarrollarse de manera sólida.
Dicen que Enjambre es una de las bandas más contundentes del rock latino y no lo ponemos en duda. De hecho, hace un par de semanas publicamos en nuestras redes una de vuestras canciones y la respuesta del público fue inmediata, muchas reacciones positivas y likes. ¿Desde cuándo notasteis el calor del público? ¿Ha sido una respuesta gradual o ha sido a raíz de alguno de vuestros trabajos?
Siempre hemos creído en el potencial de nuestra música. Pero fue precisamente cuando llegamos a la ciudad de México que experimentamos por primera vez el apoyo de un público masivo. Esto fue en el 2009 tras el lanzamiento de nuestro disco llamado “Daltónico”.
Por último, preguntaros qué tal estáis ahora, cómo ha ido el confinamiento. ¿Habéis aprovechado este tiempo para componer, sacar nuevas ideas para el futuro?
Si hemos aprovechado el tiempo. Ya estamos por completar la grabación de nuestro disco nuevo (del cual ya publicamos 5 temas). Pretendemos que el disco salga antes de que termine este verano. ¡Ojalá que estén al pendiente para este lanzamiento y saber que les ha parecido lo nuevo!
15 junio 2020
Hablamos con Guille Santa-Olalla antes de su concierto en El Rincón del Arte Nuevo de Madrid.
Nos cuenta que su nuevo disco ‘Azufre’ es su trabajo más personal, charlamos sobre su público, su trayectoria musical y también de los videoclips que ha producido él mismo.
10 junio 2020
“Alondras” es tu primer disco largo en solitario, después de pertenecer a “The Puzzles”. En este caso, tú mismo interpretas todas las voces e instrumentos. ¿Qué tal ha sido este proceso en solitario?
Así es. La verdad es que es una forma de trabajo muy gratificante para mí en este momento. He formado parte de una banda durante muchos años y, aunque el proceso creativo recaía en dos personas, tienes que emplear buena parte del tiempo y el esfuerzo en ponerte de acuerdo. Ahora mismo ese punto me lo salto y puedo ir directamente al grano.
Por otro lado compartir un proyecto con un equipo tiene una parte que me gusta mucho y no descarto trabajar con más gente en un futuro.
El pasado 13 de marzo lanzaste este disco, y justo un día después se decretó el Estado de Alarma en España. Entendemos que esta circunstancia ha salpicado a toda la agenda configurada para promocionarlo…
Desde luego. Ha sido un poco frustrante al principio, aceptar que tenía que cancelar fechas y saber que iba a ser muy complicado que el disco llegase a oídos de la gente sin poder tocar fue duro. No obstante, la acogida ha sido mejor de lo que esperaba teniendo en cuenta la situación, pero obviamente no la esperada si todo esto no hubiera sucedido.
Tus melodías suenan a pop, a rock&roll, y algo de psicodelia. Dices que, entre tus influencias, están The Beatles, The Beach Boys y Steve Miller entre otros. También hemos leído que el proceso de grabación ha sido a la antigua usanza, con cinta e instrumentos analógicos. ¿Sientes devoción por épocas pasadas? ¿Crees que se están perdiendo en cierta medida estos referentes?
Vivo el presente y miro hacia el futuro, pero es evidente que siento devoción por épocas pasadas en muchos aspectos, no en todos. La forma en la que los artistas generaban material, alejados de tantas distracciones como tenemos hoy en día y la vigencia de sus obras en nuestros tiempos me hace plantearme si nosotros seremos capaces de algo así y si en un futuro las nuevas generaciones pensaran lo mismo acerca de las obras que se producen en la actualidad… Tarea complicada.
El productor del disco ha sido Borja Juanco y el disco se ha mezclado en los Estudios Moon River de Fernando Macaya. ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar con ellos?
A Macaya y a mí nos une una relación de amistad y de trabajo hace años y ha producido los dos últimos discos de los Puzzles, he aprendido mucho de él. Cuando le puse las demos del disco nos animó a mezclar en su estudio y estuvo por ahí echando un cable; siempre termina implicado de alguna manera en mi trabajo y se lo agradeceré eternamente.
En cuanto a Borja, nos conocimos cuando los ‘Puzzles’ estaban grabando ‘Ringa Belle’ y Los Estanques estaban gestándose. Siempre me dio buenas vibraciones.
Cuando tuve los temas grabados le llamé para escucharlos y sin conocernos en profundidad me propuso mezclar el álbum juntos y nos liamos la manta a la cabeza. Qué decir; trabajador y creativo al 100% y como persona un asco jajajajaja, es un tipo 10.
Atentos a su proyecto ‘Phillipe Lekiuk’, sólo digo eso.
Sobre los directos, hemos leído que tocas y cantas mientras haces sonar una batería con los pies. ¿Cómo harás para llevar todos los sonidos del disco al directo?
Lo interesante de los directos es que en realidad no puedo trasladar los sonidos del disco al directo. Las canciones se convierten en otra cosa, pero con una entidad que no desmerece al disco, y creo que eso es lo bueno. Al final, si te olvidas del rollo de lo del one-man band creo que el proyecto es interesante para el público desde el punto de vistameramente musical.
Por un lado tienes el álbum como muestra más introspectiva de mi trabajo y por otro el directo, en el que pese a ser sólo una persona trato de vestir las canciones y sorprender de alguna manera al oyente.
He de decir que durante mis primeros conciertos me acompañó Borja en el bajo y antes de la cuarentena estaba trabajando con Goyo Chiquito al contrabajo para las presentaciones del disco.
Dices que “Alondras” es una especie de diario personal, de una época en la que buscabas despegarte del mundo de la música, y paradójicamente esa época te ha llevado a lanzar este disco. ¿Cuánto hay de viaje introspectivo en todo este proceso? ¿De qué tratan las canciones?
Lo del diario personal es porque está enclavado en una época de cambio en mi vida, en todos los aspectos.
En lo relativo a la música, refleja mi forma de acercarme a ella, menos sujeta a restricciones. Por eso lo de introspectivo, dejo salir lo que tengo dentro sin pensar qué pueda opinar la gente y es muy liberador. Por supuesto deseo que los temas gusten, pero la premisa es que me gusten a mí y dar salida a mis impulsos creativos (eso suena un poco snob, pero así es jeje).
Respecto a la temática, hay de todo. La nostalgia suele ser un tema recurrente. La inocencia de la infancia, los sueños, el amor… No sé, me baso en lo que me dicen Jeje, no me suelo parar a pensar mucho en ello.
“Thank You” ya tiene videoclip. ¿Esperas sacar alguno más de estos temas? ¿Alguna grabación programada para estos meses que se ha tenido que posponer?
Me hubiera gustado sacar algún tema más, no lo descarto, pero hay que ver cómo evolucionan las cosas. Como grabo en casa no tengo problemas de agenda que me obliguen a posponer ninguna grabación.
Pronto podre contarte algo más. Por ahora lo único que puedo decir es que habrá segundo disco y que tiene buena pinta.
Por último, ¿qué opinas sobre el trato que se le ha dado a la música durante estos meses de Estado de Alarma? ¿Crees que la música, actualmente, es protegida y cuidada como merece?
El trato, el esperado. Todos hemos tirado de música, cine y literatura como locos. Ha sido, para muchos (me incluyo) un salvavidas en estos momentos difíciles y sólo espero que de la que salgamos de esta nos acordemos y contribuyamos a su mantenimiento.
Volviendo al tema de las distracciones, cuando retomemos la normalidad volveremos a pensar en el fútbol, la política y los programas de TV, pero espero que esto nos haya hecho ser conscientes de la importancia de la cultura y luchemos entre todos para cuidarla como merece.
13 mayo 2020
Pasamos el rato con Chavales.
Nos contaron cómo nació esta banda. Dicen que todo empezó porque son compañeros de piso y que de esa unión empezaron a salir las canciones.
Nos cuentan que están en la discográfica ‘Elefant Records’, también la forma en que hacen los directos y cómo vivieron la grabación del videoclip del tema ‘Las Plantas de la Terraza’.
31 marzo 2020
Charlamos con Pablo Sánchez sobre Ciudad Jara y su primer disco ‘Donde Nace el Infarto’.
Pablo habla sobre el cambio que ha vivido al pasar de ser vocalista y compositor en “La Raíz” a serlo en este nuevo proyecto.
Dice que ahora se siente más libre, que en este disco ha contado con colaboraciones de músicos que son como parte de su familia. También nos comenta la experiencia de grabar en La Casa Murada, y de la sorpresa por la gran acogida que ha tenido el público ante Ciudad Jara.
23 marzo 2020
Hemos charlado con Lígula.
Nos contaron que han cambiado del inglés al castellano y que en marzo del año pasado sacaron su último trabajo “El Aire Antes del Viento”.
Son siete los miembros de la banda y llevan consigo bastantes instrumentos.
Dicen que tienen muchas ganas de subirse a los escenarios y poder sacar pronto nuevas canciones.
5 marzo 2020
Hemos estado con Penny Necklace.
Nos contó todo lo que gira en torno a su nuevo EP ‘Líquidos’, como los videoclips o las letras de las canciones.
Hablamos de sus conciertos, también del diseño de sus discos y de lo que disfruta haciendo música.
12 febrero 2020
Los zaragozanos Mediapunta estuvieron con nosotros y vaya risas.
Son divertidos, hablan sin filtros y su música es un reflejo de todo esto.
Nos contaron alguna anécdota del grupo. También que son amigos desde hace años, que hace poco entraron en Sonido Muchacho y que pronto lanzarán nuevas canciones.
El grupo FARIO presenta el próximo 27 de febrero su segundo disco “Tres Peces” en la Sala Sol de Madrid.
En este nuevo LP, este trío madrileño cuenta historias sobre hundimientos, pérdidas y resurgimientos. Además este disco ha sido grabado y producido por Paco Loco en su estudio del Puerto de Santa María.
El próximo día 27 de febrero la banda presentará su nuevo disco en la sala El Sol de Madrid, con lo que hemos podido hablar con la banda antes de la presentación del disco para conocer más detalles sobre este nuevo trabajo.
El pasado 8 de noviembre lanzasteis vuestro segundo disco ‘Tres Peces’. ¿Cuál ha sido la respuesta del público desde entonces? ¿Está gustando?
Sí, el álbum está gustando bastante, la gente nos lo comenta y nos transmite su enganchón con el disco, la paz que les transmite, lo flipados que les ha dejado…Es muy bonito recibir esos comentarios. A la crítica, por el momento, también la tenemos de nuestro lado.
¿Qué hay dentro de ‘Tres Peces’? ¿De qué tratan las canciones? ¿Hay un nexo común entre todas o son independientes?
Dentro de ‘Tres peces’ hay mucho de agua, pero también están representados el resto de elementos. El agua es el símbolo onírico del mundo emocional por antonomasia, y en ‘Tres peces’ hay emoción por todas partes. Hay mucho amor, hay ira, miedo, tristeza y por supuesto, también hay alegría. Las canciones cristalizan en gran parte cómo nos sentíamos nosotras en el momento de componerlas. En ‘Tres peces’ está Fario abierto en canal. Las canciones funcionan tanto si se quieren escuchar de forma independiente, como si se quiere escuchar el LP de forma unitaria. En ese sentido se parece a Rayuela.
Me resulta curioso el tema ‘Federico’, he leído que está dedicado a García Lorca, además lo lanzasteis el 5 de junio del año pasado, siendo el día de su nacimiento. ¿Cómo surgió esta idea? ¿Qué tratáis en este tema?
Federico nació de un poema que escribió Montse y que adaptó a canción. El objetivo al componerlo es que Fario le hiciera un homenaje a Federico García Lorca, al lenguaje y al mundo que él inventó. Es un canto de amor hacia uno de los mayores genios de este mundo, y de horror hacia la barbarie que nos privó de él.
Paco Loco ha producido este nuevo trabajo en su estudio de El Puerto de Santa María, ¿Qué tal ha sido la experiencia de trabajar con él?
Trabajar con Paco ha sido inolvidable. Desde el inicio confiamos a ciegas en su maestría y capacidad de trabajo. Como productor fue un cuarto Fario, sus aportaciones fueron valiosísimas, hechas con un buen tino alucinante. Además, el nivel de chanza con él es tan enorme, que las horas de trabajo duro diario (12 ni más ni menos), se pasaban volando. No queremos dejar de mencionar a Muni Camón, música mítica de este país y mujer de Paco, la mencionamos porque sin ella, ‘Tres peces’ tampoco habría sido posible.
El video del tema de “Tempelhof” fue dirigido por Nacho Mínguez con la colaboración de Javi Amescua, ¿Qué tal fue la grabación? ¿Qué puede verse en este vídeo para quien no haya tenido todavía la oportunidad de verlo?
La grabación de Tempelhof fue súper divertida. Trabajamos durísimo durante tres días y parte de sus noches. Hubo secuencias en las que estuvimos al borde de la lipotimia, y otras en las que después de la toma, nos teníamos que arropar con una manta manchega. Para quien no lo haya visto, le diría que hay mucho bicho suelto, que va a ver a Fario de picnic y con modelazos corriendo por una era.
El 27 de febrero presentáis este nuevo trabajo en la Sala El Sol de Madrid, ¿Cómo son vuestros conciertos? ¿Es fácil llevar este disco al directo?
Sí, el próximo 27 de febrero tocamos en la Sala Sol (Madrid), y desde aquí queremos animar a todo el mundo a unirse al ritual, porque los conciertos de Fario son como una ceremonia profana. Siempre damos lo mejor de nosotras mismas en escena y tratamos de que cada persona que viene a vernos salga algo cambiada tras el bolo. Hay energía a raudales. Llevar un disco al directo nunca es algo fácil, pero siempre es muy bonito.
¿Dónde podremos veros este año además de en la Sala El Sol?
Las próximas fechas que tenemos cerradas hasta la presentación en Madrid son: el 18 de febrero en La Cachorra Yeyé de Albacete, el 31 de enero en el Freedonia, Barcelona, y el 7 de febrero en la sala Kominski de Vigo. Todas las entradas están ya a la venta desde nuestra web fario.es
Este es ya vuestro segundo trabajo, ya contáis con experiencia en la industria musical. ¿Qué podéis contarnos sobre la industria? ¿Es fácil o difícil hacerse un hueco? ¿Cuál es vuestra experiencia como banda?
La experiencia es que tampoco tenemos demasiada experiencia con el ente que es la industria. Nosotras somos muy afortunadas de que nuestro sello, Lago/Cráter, está comandado por Manuel Mertel, una persona sobresaliente y amante comprometido de la música, que además es amigo. Este hecho es crucial para nosotras, dado que nos cuidan desde casa. Hacerse un hueco en la escena o en lo que se vuelve tendencia es otra cosa, eso lo deciden otros. La ideología dominante es la ideología de la clase dominante (parafraseando)…y hasta en el indie hay un mainstream al cual no está en nuestras manos pertenecer. Fario tiene su propio camino, que vete tú a saber cuál es y dónde nos lleva.
Fotografías: FARIO
Hemos hablado con Camellos, banda afincada en Madrid con canciones ingeniosas y divertidas.
Sacan el próximo 29 de noviembre su nuevo trabajo “Calle Para Siempre”.
Nos han contado el inicio de la banda, también sus nuevos videoclips y que el próximo 13 de diciembre presentarán su nuevo disco en la sala Independance de Madrid.
Fotografías: Jesús Cornejo
Fon Román lanza un nuevo disco titulado “La Chispa, la Llama y el Humo”. Tras años sin componer, ahora publica estas once canciones repletas de influencias de México, país en el que actualmente reside.
Pasaste años sin componer y, al trabajar en este disco, en la fase de grabación, dormías apenas 3 horas y hasta te emocionabas en el estudio, ¿Hasta qué punto influye la música en ti?
Sí, la grabación del disco fue muy intensa y muy emocionante. La música está presente en mi vida desde siempre, primero como oyente y luego también como creador. Siempre ha sido un nutriente indispensable para sostenerme.
En estas once canciones de tu nuevo disco “La chispa, la Llama y el Humo”, ¿Qué es lo que cuentan estos temas? ¿De qué tratan?
El tema de trasfondo es el cambio, la transformación y la impermanencia; de ahí el título La Chispa (lo que aparece en un instante), La Llama (lo que se sostiene un tiempo) y El Humo (lo que se extingue, muda y cambia a otra cosa).
En el tema “Lo Que No Soy Capaz” hay un bombo cuadrado y un bajo que parece que sea un corazón latiendo, ¿Los instrumentos en las canciones están pensados de alguna manera para que transmitan lo que dicen las letras?
En algunos casos, pero generalmente son complementos para potenciar el mensaje; por eso las producciones de los discos suelen ser importantes para darle un carácter.
Escribiste estas canciones en una casa en las afueras de México en compañía de ti mismo, ¿La soledad te ayudó a encontrar las melodías y letras que buscabas?
No fueron todas las canciones pero lo interesante de ese retiro es que compuse El Equilibrio es Posible y La Chispa; y a raíz de esta última se me ocurrió todo el concepto del álbum.
Llevas en México desde el 2014 y es el país donde resides principalmente, ¿Ha influenciado lo que has vivido allí en este disco?
Pues los viajes siempre mueven, y más si vas a otros países y vives durante años. Precipitar cambios en uno a nivel personal tiene al final una consecuencia musical y creativa.
Hoy en día parece que cuesta que el público escuche un disco entero, ¿Crees que los discos que tienen un concepto unitario como este son difíciles de entender en la época en la que vivimos?
Bueno, Rosalía sacó un disco con esas características y mira el resultado. Es cuestión de que haya una difusión apropiada para que el mensaje llegue.
En la versión acústica de los temas, has contado con la colaboración de colegas como Iván Ferreiro, Zahara, Coque Malla e Izal. ¿Cómo surgió esta idea del formato acústico?
Quería hacer versiones en acústicos como adelantos, para mostrar en crudo las canciones. Además de la amistad, todas las voces encajaban perfectamente con los temas que seleccioné como singles.
Desde que empezaste tu carrera musical como guitarrista en Los Piratas hasta ahora, ¿Sientes que el mundo de la música ha cambiado? ¿La vives igual o diferente?
La música como la vida está en continuo cambio. El reto es adaptarse a esos cambios, intentando fluir con ellos. Y obviamente en la época de Piratas no existía Spotify, ni YouTube y comenzaban las redes.
Puedes escuchar su disco aquí:
La Bien Querida ha sacado su sexto álbum “Brujería”.
Ella dice que son canciones que lanza al universo como si fuesen hechizos.
Además estos temas hablan sobre el amor, el miedo y la ilusión, porque nos cuenta que eso del amor te hace sentir como medio embrujado.
En este trabajo hay colaboraciones como la de Diego de Carolina Durante o Jota de Los Planetas.
Estuvimos hablando también de la producción, los videoclips y de todo lo que hay detrás de Brujería.
La banda saca el próximo 11 de octubre su cuarto disco Fiesta Ancestral. Está compuesto por diez canciones cargadas de buen rollo que, como su nombre indica, fueron concebidas con un único objetivo, pasarlo bien. En este nuevo disco cuentan con diversas colaboraciones, como la de Vetusta Morla en El Telón y la de El Kanka en Bailando con las farolas.
Este verano habéis estado en una gira Europea, tocando en Alemania, Suiza, Francia y España, ¿Cómo habéis vivido estos conciertos?
Ha sido muy gratificante el hecho de poder tocar en tantos sitios tan diferentes, que además no hablan ni inglés, ni español, y aún así cantaban las canciones. Realmente nos sentimos muy afortunados de estar viviendo este tipo de experiencias. ¡Ahora morimos de ganas de girar por Tokio o Australia! (risas).
El 11 de octubre sale vuestro cuarto disco Fiesta Ancestral, ¿Qué podéis adelantarnos sobre este nuevo trabajo? ¿De qué tratan las canciones?
Creemos que este disco será el más fiestero hasta ahora, pura canción festivalera como nosotros les llamamos, muchos temas upbeat. Además, experimentamos con géneros que nunca habíamos tocado antes como el indie, el hip-hop, etc. Además que cuenta con dos majestuosas colaboraciones: Una con el grandísimo cantautor El Kanka y otra con la banda indie mas cañera, Vetusta Morla.
Aunque todavía no ha salido vuestro nuevo disco, ya conocemos la nueva canción El Telón, un tema que mezcla pop, ska y rock y que además cuenta con la participación de Vetusta Morla, ¿Cómo surgió esta colaboración?
Llevamos siendo amigos desde hace muchísimos años antes de que nos fuésemos a México, así que cuando van a Ciudad de México siempre intentamos quedar con ellos. Esta vez los llevamos al estudio a que escucharan un adelanto del nuevo disco y una vez ahí entre sugerencias y opiniones se metieron al estudio a grabar como ellos veían el tema de El Telón, así que finalmente decidimos dejar la canción con sus aportes, correcciones de letra y con sus instrumentos.
Otro adelanto del disco es Bailando Con Las Farolas, que es una canción que habéis grabado junto con el malagueño el Kanka. ¿Qué tal fue trabajar con él?
Es un gran compañero de fechorías desde siempre, igual que con Vetusta. Una vez que El Kanka estaba en México le dijimos si le apetecía grabar en nuestro nuevo disco y con la gracia y el arte que lo caracteriza, la verdad es que lo hizo de lujo.
En este disco hay sonidos de jazz, rockabilly, folk, flamenco y hasta reggae. Desde luego se trata de un disco muy variado y completo. Esta variedad de géneros, ¿Os sale de manera natural o ha sido una búsqueda intencionada? ¿Es difícil agrupar todos estos géneros musicales en un mismo trabajo?
Sale muy natural ya que somos cuatro personas sumamente distintas, con gustos musicales muy diferentes, con dos idiomas y además de eso cada quién con una formación musical muy peculiar: desde el clásico, el flamenco, el jazz, latín…
Os caracterizáis por ser una banda multicultural, algunos de vosotros sois españoles, otros mexicanos y Jenny, voz y trompetista, es inglesa. ¿Esta mezcla de culturas os facilita estar abiertos a la música, a experimentar y no cerrar puertas?
Por supuesto, es una de nuestras grandes ventajas que siempre aprendemos algo nuevo de la cultura y gustos del otro.
Tengo entendido que Fiesta Ancestral fue concebido con un único objetivo, pasarlo bien. ¿Vuestros conciertos también se convertirán en una “Fiesta Ancestral”?
¡Esperamos que sí! Justo ahora estamos montando esta nueva gira que se estrenará en La Riviera de Madrid, justo el día que sale el disco, el 11 de octubre… ¡QUÉ NERVIOS!
El 11 de octubre tocaréis en La Riviera y el 12 en la Sala Apolo de Barcelona, ¿Qué tal es el público español? ¿La respuesta del público es similar o diferente al público mexicano?
Creemos que el público español y el mexicano son muy, muy similares. Les gusta cantar mucho, bailar mucho y sobre todo gritar… Es muy diferente al público anglosajón, por ejemplo.
Yuri Méndez, también conocido como Pajaro Sunrise, estuvo con nosotros para hablarnos de su nuevo disco “W”.
Este trabajo tiene dos caras, en una juega la electrónica y la experimentación y en otra el folk americano al que a todos nos tenía acostumbrados.
Puede parecer que hay dos mundos diferentes dentro de este disco pero Yuri ha ordenado las nueve canciones de este proyecto de una forma que hace que todo encaje.
Morgan no para.
Han pisado tropecientos escenarios, ya han grabado dos discos, han recibido diferentes premios y cada vez tienen más y más público.
No han dejado de trabajar desde que lanzaron su primer disco y es que están encantados con todo lo que están viviendo como banda.
Estuvimos con Ekain y “Chuches” y entre risas nos contaron muchas cosas de la banda.
“Hemos estado en el lugar adecuado en el momento adecuado”
La banda madrileña ha sacado su primer disco titulado Disforia. Sus canciones hablan de la nostalgia desde un punto de vista positivo, sus letras también tratan sobre ellos mismos y lo hacen desde un sonido propio y particular. Hace unas semanas estuvimos con la banda y nos contaron cómo vivieron la grabación de Disforia, también de la respuesta de su público y de los dos videoclips que trae su primer álbum, entre otros asuntos.
Hace poco habéis sacado el que es vuestro primer disco, ¿Cuándo y cómo surge NEVVER?
BORJA (B): Pues… en verano de 2017, nos juntamos con Javi en el garaje de un amigo para hacer música y ver que salía. Ya habíamos estado en otros grupos diferentes, Javi por ejemplo tiene un grupo de rap.
Ese verano hicimos una canción que sonaba bastante bien para las expectativas que teníamos y después de eso como que lo dejamos, el verano se acabó y había que volver a trabajar.
RAÚL (R): Sí, en verano, porque agosto en Madrid es la muerte, ¿Sabes?. Al final te aburres y te haces un grupo de música (risas).
B: Pero nunca pensamos en que íbamos a tener un disco o algo así, nunca fue la expectativa. Luego ya en mayo, un día que salimos por Getafe, nos acordamos de esta canción que hicimos y ya ahí sí que buscamos un par de horas cada semana para componer, para intercambiar ideas. Hicimos la segunda canción, que era “3 AM” y nos dimos cuenta que sonaba bien también y que podíamos seguir haciendo canciones. Ya fue desde mayo hasta noviembre o así, que hicimos el resto, cinco canciones. Se las enviamos a Elefant, sin saber siquiera si iban a responder y al final nos respondieron. No nos lo creíamos ninguno.
Entonces fue algo espontáneo, probasteis suerte.
B: Claro, claro. Nosotros hicimos como todos los grupos cuando empiezan, subíamos nuestras canciones a YouTube. Pero cuando nos respondieron desde Elefant nos dijeron que les gustaba un montón, que no sabían si lo mandábamos por mandar o si realmente queríamos trabajar con ellos. Y ya luego pues nos conocimos y al final pues… ¡Aquí estamos!
En cuanto al estilo de música, digamos que hay mucho de todo. Hay hip-hop, dream-pop, synth-pop, shoegaze. Entonces, para alguien que tampoco entienda del todo de géneros de música, ¿A qué diríais que suena NEVVER?
R: Pues ahora mismo yo creo que suena, o al menos lo que yo quiero pensar, a un indie nuevo. Como que ya ha pasado el indie a una generación nueva y al final el sonido va a cambiar, va a evolucionar. Por ejemplo, en vez de meterle una batería convencional, pues incorporamos baterías de trap, experimentamos un poco con lo que más nos gusta.
B: Tampoco nos pusimos una etiqueta de decir “queremos ser un grupo de indie normal”. Fue lo que fue saliendo, creo que cuando hacíamos una canción no pensábamos realmente en cómo queríamos que fuera, porque luego empezábamos de una manera y acababa siendo de otra. Por ejemplo, Javi cuando cantaba sobre una melodía instrumental, no hacía una melodía pop porque está más acostumbrado al trap.
R: Claro, como Javi antes lo que ha hecho ha sido rap, siempre se ha criado en el rap, ha estado ligado a este estilo, más tema underground.
B: Definirnos con un estilo… casi preferimos que nos ponga la gente los estilos.
R: Un estilo urbano, diría yo.
B: Yo pienso que si te pones una etiqueta al principio, y luego sacas otro disco que sea diferente, pues la gente diría “Joder, es que ya no suena a synth-pop”, por ejemplo, o cosas así. No nos preocupamos por eso la verdad.
Fue a principios de mayo cuando salió vuestro primer disco, titulado Disforia, ¿Qué tal ha sido la experiencia? ¿Cómo ha sido trabajar en la grabación de este disco?
B: Pues en realidad está todo grabado en mi casa, excepto las voces que están grabadas en el estudio.
R: Y luego el máster y todo eso.
B: Las demos iniciales las habíamos grabado íntegras en mi casa o en casa de Javi, era todo un poco más amateur. Luego claro, ir al estudio, hacer la mezcla por un profesional, todo eso era algo nuevo para nosotros. También hemos grabado dos videoclips y, cuando salió el primero, estábamos no nos lo creíamos, ¿No?. La familia, amigos, que te dicen que somos muy buenos, incluso gente de otras ciudades que te pueda escuchar. Yo todavía no lo asimilo, que entres en Spotify y aparezca que hay 4.000 oyentes en México… ¿Qué está pasando aquí? (Risas).
R: Ha sido una experiencia única, sin duda.
¿Qué percibís de vuestro público?
R: Pues a mí me cabrea, macho. Meterme en YouTube y no encontrar ni un comentario malo, tío (risas). Te lo juro. Hace mucho que no lo miro, pero la última vez que lo vi no había ni uno.
B: La gente dice muchas cosas buenas, pero a veces también estaría bien a lo mejor escuchar una crítica, no destructiva. Pero todo lo que hemos escuchado ha sido bueno… ¡Así que no nos quejamos!
Cuando os pusisteis en contacto con Elefant de repente todo empezó a funcionar. ¿Creéis que ha sido un proceso fácil o ha sido mucho más complicado de lo que parece?
R: Pues yo sinceramente pensaba que sería todo más complicado, movidas de papeles pa’ arriba, papeles pa’ abajo, firmas. Que si la SGAE, que si mil historias. La verdad que Luis y Montse de Elefant nos lo han dado todo como si fuésemos niños de preescolar.
B: Nos lo han puesto todo muy fácil. Pero sí, hoy en día lo bueno es que cualquiera puede grabar un disco. Nosotros cuando sacamos la demo aprendimos prácticamente de cero, cualquiera puede subirlo a YouTube o a Spotify, es muy fácil. Pero sí que es verdad que no te da la exposición que te da Elefant u otra discográfica. Yo creo que hemos estado en el lugar adecuado en el momento adecuado.
En cuanto a las letras, por ejemplo vuestro tema “Varsovia” parece una canción narrativa, triste, algo oscura. En general, ¿Hay un tema común para las letras o cada canción tiene su historia? ¿Cuál es la idea?
R: Bueno, la idea es que desde el punto de vista nuestro, es la nostalgia. La gente lo enfoca como si fuera algo malo, algo pesimista, pero en realidad es todo lo contrario. Para Borja, Javi y para mí es algo bueno y así lo hemos enfocado. La nostalgia puede ser algo malo pero pienso que, cuando echas en falta algo bueno que has tenido, has podido sacar una experiencia positiva al final.
B: Es como optimismo para el futuro. En el disco hay más nostalgia que rencor, por ejemplo.
R: Rencor no hay ninguno, claro.
B: Hay tristeza, sí. “Varsovia” en concreto es una canción que habla más de la frustración que nosotros tenemos en nuestro día a día. Al final trabajamos como cualquiera, cogemos la RENFE todos los días y sufrimos como todos. Ha sido como plasmar nuestra frustración en una canción. Yo veo que es la canción que más habla de nosotros, de nuestra vida.
R: Claro, cuando teníamos a lo mejor 20 años o así, pensábamos “Buah, voy a irme de Getafe, que es una puta mierda, no se qué” pero al final ves que tienes 24, que sigues en Madrid, en mi puto barrio…No he salido de ahí (risas). Antes veíamos las cosas como con más rebeldía pero al final te das cuenta que todo eso que piensas pues que sí, que puede ser, pero que hay muchas cosas que no cambian. Es un poco eso lo que tratamos de plasmar en el disco.
¿Cómo ha sido la grabación de los dos videoclips? ¿Qué tal la experiencia?
R: Pues muy guapo la verdad. A mí me ha gustado mucho. Yo pensaba lo típico, que estaríamos ahí delante de la cámara y lo pasaríamos mal, pero en realidad lo paso peor en una sesión de fotos que grabando los vídeos.
B: Hemos trabajado con Diego que ha grabado muchos videoclips, entre ellos los de Carolina Durante y Cariño, por ejemplo. A toda la escena de Madrid los ha grabado él. Es muy fácil trabajar con él, es un chico normal que al final también hace que estés cómodo grabando, la verdad que ha ido muy bien.
¿Y de qué tratan los vídeos?
R: Pues el primero ya lo habéis visto, y el segundo que salió hace menos tiempo es de la canción de “Duelo”. Habla de una pérdida, que mucha gente igual al escucharlo no lo entiende bien del todo, pero habla de nuestros amigos que se han ido a vivir fuera, de esa nostalgia buena que tenemos, de lo que los echamos de menos. La idea para el vídeo la verdad que la han pillado a la primera.
B: Era algo impensable el tener dos videoclips grabados profesionalmente.
R: Claro, nosotros pensábamos que esto era coger una cámara, ponerse a tocar y grabarlo pero nos hemos dado cuenta que la idea general del vídeo es algo muy importante, que los directores de los videoclip no están realmente valorados. Que tú, por ejemplo, ves un videoclip de Coldplay y te llama la atención y te parece una pasada. Pero realmente lo que tiene mucho peso es la idea que mueve el vídeo, que el tío que está detrás de ello es un puto genio. A lo mejor ahora un vídeo nuestro lo peta, tiene no sé cuantas visitas, y la gente piensa “Tío, este videoclip de NEVVER es la leche, qué idea más buena”. Y en realidad la idea no es nuestra.
B: Claro, y también los cámaras que acompañan al director, que luego tú ves las tomas que hacen y son brutales.
R: Yo ahora veo series, películas, y veo todas las tomas y demás y madre mía (risas).
Hoy hablamos con Staytons, banda asturiana que nos cuenta detalles de su nuevo disco Singularity, como el hecho de que esté producido por Igor Paskual o que uno de los videoclips lo han grabado en Asturias usando drones.
Sus miembros son algo jóvenes pero sus ideas sobre la música las tienen bastante claras.
Tras más de 30 conciertos y cientos de kilómetros recorridos, Modelo de Respuesta Polar pone punto y final a su gira Más Movimientos. Lo harán con cuatro conciertos especiales en los que repasarán los temas de su último álbum.
Después de un verano de festivales como Mad Cool, Sonorama Ribera, Vida Festival, Low Festival, Ebrovisión, Santander Music, MUWI o Warm Up Estrella de Levante, Modelo de Respuesta Polar continuaron con su gira “Más Movimientos” por salas de ciudades como Albacete, Barcelona, Valladolid, Gijón, Murcia, Palencia y Zamora.
Barcelona, Valencia y dos noches en Madrid (22 y 23 de febrero) será la última oportunidad de ver a los valencianos antes de que se tomen un descanso de los escenarios y vuelvan al estudio a preparar lo que será su siguiente trabajo.
Nosotros tuvimos la suerte de poder charlar un rato con Borja Mompó, cantante de la banda, y preguntarle sobre lo que fue, lo que es, y lo que será Modelo de Respuesta Polar.
Dos conciertos durante dos noches distintas en un mismo sitio, la sala Sol. La noche del 22 y 23 de febrero Madrid se va a llenar de vuestras canciones. ¿Se multiplican los nervios? O quizá, tras más de 30 conciertos durante esta gira ¿Ya no hay nervios que valgan?
Siempre hay nervios. Es bueno y nos gusta sentir esa sensación. Por eso quizás intentamos que cada concierto sea algo distinto, con canciones diferentes, siempre que podemos hacerlo. Ese probar cosas nuevas te mantiene alerta y hace que estés consciente en todo momento de lo que ocurre. No nos gusta poner el piloto automático.
Durante esta gira habéis pasado por muchas salas, ¿Qué habéis encontrado en una sala que no os lo da un festival?
Por suerte somos una banda con muchos formatos y que disfruta tocando en todo tipo de escenarios. Nuestros discos van desde lo más intimista hasta canciones con mucha fuerza, simplemente tenemos que elegir bien el repertorio y disfrutar de cada espacio.
¿Un concierto de esta gira que os haya emocionado?
Quizás el último que hicimos en Madrid, en el Teatro Lara tuvo muchos matices y momentos de todo tipo. Fue la puesta de largo del disco Más Movimientos y pudimos desplegar todo el repertorio sin prisas y en un escenario precioso.
Sonáis a Modelo en todos vuestros discos pero cada uno tiene su esencia particular, ¿De qué habéis alimentado a “Más Movimientos”? ¿Qué sonidos os han influido? ¿Qué experiencias pueden leerse entre líneas?
Es un disco que se fraguó estando de gira. Tiene ese punto directo, desenfadado y urgente. Es esa urgencia y esa electricidad lo que le hace único. Posiblemente si lo hubiéramos reposado un poco más no hubiera sido el mismo disco y en ese momento queríamos que fuese un disco directo y fresco.
Hay mucho de ti en las canciones, muchas historias, distintos momentos, movimientos…¿Hay algún tema del disco que le tengas especial cariño en comparación con el resto? ¿Por qué?
Dejar ir. Es una canción pequeña, que habla de una persona en concreto y transmite la misma luz que esta persona transmitía.
En tus letras te desnudas y hablas de experiencias personales ¿Puede llegar a ser contraproducente eso de contar una y otra vez situaciones algo difíciles?
He tenido la suerte de rodearme bien de cerca de personas a las que aprecio y admiro. Aunque las historias se acaben o se transformen, quedan las personas y siempre me es grato recordarlas.
Ahora que lleváis tantos años de carrera, ¿Qué os ha enseñado la música como profesión?
Nos ha enseñado a conocernos individualmente y como banda. Nos ha enseñado a viajar, a comer bien y a escuchar a la gente que nos vamos encontrando. Es una profesión preciosa, con muchas aristas, pero muy instructiva.
¿Qué nuevos proyectos tiene Modelo de Respuesta Polar entre manos?
Necesitamos bajar un poco el ritmo de conciertos. Son dos años y medio de gira y creemos que es buen momento para no exponernos tanto y volver al local. Disfrutamos mucho en todos los ámbitos de la música y volver a componer es algo que nos entusiasma.
Imaginamos que esta pregunta suele abrir muchas de vuestras entrevistas, pero… ¿Cómo surgió la idea de formar un grupo únicamente con batería y bajo?
Hace ya casi 2 años, Jesús y yo tocábamos en otra formación de rock clásico y durante las horas muertas de los ensayos probamos a experimentar con efectos raros, y mezclar amplificadores. Una vez se disolvió ese grupo decidimos tomarnos más en serio lo que antes era un juego para crear Daphne y pasarme de la guitarra al bajo y cantar por primera vez. Somos buenos amigos y nos entendemos componiendo y hacer esto entre los dos ha facilitado mucho las cosas y estamos muy ilusionados con lo que estamos haciendo.
¿Alguna influencia en concreto que os haya llevado a formar este grupo con esta configuración?
Antes de lanzarnos a tocar estuvimos casi un año probando como hacer que sonase, al principio queríamos hacerlo como los White Strippes pero nos faltaba fuerza, hasta que descubrimos a Royal Blood y vimos el camino. Música solo con bajo y batería, era lo que necesitamos así que bebimos muchisimo de ellos, nos volvimos fans y fuimos a sus conciertos y además introducimos nuestros gustos por bandas más clásicas como Led Zeppelin, Rolling Stones o Black Sabbath y mas modernas como Queens of The Stone Age, Muse, Foo Fighters …
¿Es complicado llenar una canción/escenario sólo con estos dos instrumentos o por el contrario os resulta algo sencillo?
Ese era uno de los retos, conseguir llenar y dar mucha fuerza solo siendo dos, aquí es donde entra en juego tocar un bajo eléctrico como si fuese una guitarra combinando 3 amplificadores y sin duda la brutalidad de Jesús en la batería. Componer las canciones y hacer que sonaran como queríamos nos llevó a cambiar nuestra forma de tocar y darle más protagonismo a las figuras rítmicas, creando una línea musical muy marcada para poder ir jugando con ella. Ha sido un poco complicado pero ya le hemos pillado el tranquillo a esto de tener un power duo.
En cuanto a la grabación de vuestro primer EP homónimo, ¿cómo ha sido el proceso de grabación? ¡Contadnos detalles!
Decidimos empezar de cero y no volver a ninguno de los estudios donde habíamos tocado con otras formaciones, así que fue como volver a los comienzos y con mucha suerte nos topamos en mi barrio; Carabanchel, con California Studios y su técnico-productor Víctor Saiz Martínez que desde un primer momento nos ayudó a mejorar el proyecto y dio vida a los primero temas de Daphne.
Realmente quisimos ser fieles y la grabación se hizo solo con voz, bajo, batería y los efectos de mi pedalera.
Estuvimos casi un año encerrado en el local de ensayo que tenemos en el pueblo de Jesús (Santa Cruz del Retamar – Toledo) preparando bien las estructuras de los temas y en el estudio fuimos canción por canción. Se que no es lo habitual, las bandas graban primero todas las baterías y luego todas las guitarras y por ultimo voces pero como era algo tan extraño y no sabíamos cómo podía quedar decidimos dedicar 3 días para grabar cada canción por orden, aunque ello supusiera volver a transportar la batería y amplis de nuevo. Creo que el resultado final es bueno y nos echamos unas buenas risas cuando empecé a grabar las voces debido a mi poca experiencia (Risas)
En un grupo de 4-5 músicos, si dos se enfadan sigue habiendo más gente alrededor para calmar el ambiente y tirar para adelante. Vosotros sois dos… ¿cómo lo lleváis?
Creo que es la mejor decisión que hemos tomado, y hablo en nombre de los dos, es algo que hemos meditado mucho. Es cierto que en formaciones más grandes hay gente que puede calmar el ambiente pero tampoco nos ayudó a avanzar en otras ocasiones, si no eran problemas de dinero, era de tiempo y ensayos y si no de problemas en las composiciones y decisiones importantes de la banda, en resumen todo esto frena y transforma algo que es agradable y divertido como puede ser ir a tu local a tocar, en un ambiente hostil muchas veces. Puede que haya sido mi experiencia y ojala no sea así para otras personas, pero nosotros dos siempre que hemos tenido diferencias las hemos sabido resolver de una manera muy sana y escuchándonos.
Al inicio no sabíamos si hacer las letras en español o inglés y aunque yo era reticente al español, Jesús me abrió la mente para que lo hiciéramos así, al final tenía toda la razón, una de las mejores decisiones que he tomado en mi vida. Solamente escuchándonos, porque perseguimos una misma meta y no es precisamente forrarnos con esto, si no mejorar como músicos y disfrutar componiendo temas, para algún día poder vivir dignamente de lo que creamos.
Vuestro primer EP “Daphne” ha sido el inicio. ¿Algún nuevo proyecto en mente? ¿Algún sueño por cumplir?
Queremos poder llegar a grabar discos con más calidad y tocar en mas ciudades de España, nos gustaría poder compartir escenario como teloneros de algunos grupos españoles como Rosendo ( Aunque ya va a ser difícil),Fito, Loquillo, Bunbury… Y a nivel locura total, ser teloneros de bandas como Queens of The Stone Age, Jack White, AC/DC, eso si que seria un sueño (Risas). Pero como comentaba antes con poder un día poder mantener este hobby y ganar lo justo para vivir de lo que hacemos ya sería un gran triunfo en nuestras vidas.
Por último, ¿dónde podremos veros en directo próximamente?
El 1 de Febrero volvemos a la sala Maravillas con Zisne Blanco el grupo de mi hermano pequeño y estar atentos a las redes porque vamos a publicar nuevas fechas en Madrid, Guadalajara, Valencia, Burgos … Deberíais venir a vernos no dejamos insatisfechos a nadie (Risas).
Lo primero de todo, y pregunta casi obligatoria, para aquellos que no os conozcan. ¿Quiénes son Ciclocéano y cuál es el origen de la banda?
Chico conoce chico… y después a dos chicos más. Después de años de amistad (y lo que surja) conseguimos cuadrar nuestras agendas para meternos de lleno en un proyecto que nos apasiona.
Recientemente habéis publicado vuestro primer álbum, “Líneas de Meta”. ¿Cómo están siendo estos primeros meses de vida desde su lanzamiento?
Muy intensos. Está pasando muy rápido y aún así intentamos disfrutar de todo el camino. Como dice una de nuestras canciones: “…comprendí que no importa nada el final, así que calma, es un viaje temporal”.
Habláis de una dualidad, de una bipolaridad en vuestra música. Escuchando vuestras canciones uno recibe muchísima energía a la vez que una gran profundidad en las canciones. ¿Es el disco un vaivén de energía y emociones?
Totalmente. Y de ahí viene el nombre de la banda también, de la dualidad que puedes encontrar en el océano: disfrutando de una plácida puesta de sol en la playa o a punto de morir en una tormenta en mitad del Pacífico. Lo de “ciclo-“ viene de “ciclotimia” que es un tipo de trastorno bipolar, también refiriéndose a ese vaivén.
Observando la portada del disco, parece que también se refleja esa dualidad. ¡Contadnos cómo surgió esta idea!
Podríamos inventarnos una historia épica sobre la historia de la portada pero sentimos decepcionaros: la encontramos por internet y fue un flechazo instantáneo. Nos parecía que encajaba a la perfección con el concepto de “Líneas de meta”.
Eso sí, le escribimos a la autora Lauren Zaknoun para poder utilizarla y le encantó la idea. Menos mal porque no teníamos más opciones…
¿Qué tal ha sido el proceso de grabación de “Líneas de Meta”? Imaginamos que toda una experiencia inolvidable.
Efectivamente. Lo mejor fue el ambiente creado en el estudio (Lalavalab de Madrid). Nos dieron un trato súper cercano. Además trabajar con nuestro productor M.A. Mart (Estirpe) fue un sueño hecho realidad. Suena a tópico pero es así. Somos fans desde hace muchos años y sabíamos que era el tipo adecuado para exprimirnos musicalmente.
Se nota que en el grupo hay muy buen rollo. ¿Qué diríais que aporta cada uno al total del grupo?
Hay muy buen rollo porque, además de ser amigos desde hace muchos años como te comentaba, nos tenemos mucho respeto y admiración como músicos. Cada uno aporta todo lo mejor que tiene: Xavi su trayectoria en bandas de renombre; Adri su disciplina en el trabajo; Antonio la parte creativa; y Fer sus chistes sobre penes.
Para quién aún no os haya visto en directo, ¿Qué se pueden encontrar en el concierto del próximo 25 de enero en La Boite de Madrid?
Una banda con la experiencia de quien lleva toda la vida tocando en directo y las ganas de quien acaba de empezar. Tenemos muy claro lo que queremos transmitir y cómo hacerlo. Estamos deseando ese primer encuentro con un público que ya ha escuchado el disco.
Esto no ha hecho más que empezar, pero seguro que hay alguna idea o proyecto en mente, además de algún sueño por cumplir, ¿no?.
Sueños muchísimos, es imposible decirte todos. A corto plazo tocar y dar conciertos de la mayor calidad que podamos para disfrutar nosotros y hacer disfrutar al público que venga. Y a largo plazo… conseguir que ser músico en España sea una profesión digna y no algo que tengas que estar mendigando para tocar.
Por último, ¿dónde podremos veros próximamente tras vuestro concierto del día 25 de enero en Madrid?
El 29 de marzo estaremos en la mítica sala Capitol de Santiago de Compostela; en abril iremos a Córdoba;… poco a poco van saliendo fechas que anunciaremos muy pronto en nuestras redes sociales: Instagram, Twitter y Facebook con el nombre @cicloceano y en nuestra web www.cicloceano.com.
Estamos con Manuela Vellés. Quizá su nombre te suena porque es actriz.
Pero hoy, no hablamos sobre las películas o series en las que ha aparecido.
Hoy hablamos sobre su primer disco “Subo, Bajo”.
Exacto, ha decidido lanzarse en un proyecto musical.
Nos cuenta cómo decidió empezar este nuevo trabajo y lo mucho que siente su música cuando se sube a un escenario, entre otras muchas cosas.
Full ha lanzado su nuevo disco Capadocia.
Javier Valencia, cantante y guitarrista del grupo charla con nosotros sobre este último trabajo.
Habla de la portada, sus letras, melodías y de la ilusión que ha volcado esta banda sobre Capadocia.
Kase.O cierra “El Círculo” con dos conciertos, uno el 21 de diciembre en el WiZink de Madrid y otro el 29 de diciembre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Estuvimos con él y nos contó lo intensa que ha sido esta gira. Habló sobre el gran trabajo de composición que hubo en las canciones, también de las historias que hay en sus letras.
Nos explicó además sus comienzos en Zaragoza.
Y la forma en que percibe otros estilos de música emergentes.
Bajo Unidad y Armonía se esconde el nuevo proyecto musical de Miguel Martín. Un nombre con el que el granadino ha bautizado a la banda donde desgrana su trabajo compositivo y con el que edita su primer disco: ‘UNO DE ESTOS DÍAS’ (El Ejército Rojo, 2018).
Tras formar parte de innumerables aventuras y colaboraciones musicales con artistas como Lori Meyers, el Proyecto Multiverso de Antonio Arias, Tarik y la Fábrica de Colores o Soleá Morente, entre otros, ahora da rienda suelta a su destreza creativa.
Aunque “Uno de estos días” es tu primer disco, has trabajado con diferentes artistas durante mucho tiempo. De hecho, hace 3 años tocabas la guitarra junto a Lori Meyers, ahora has estado tocando con Soleá Morente y también has sido técnico de Los Planetas. ¿Qué es lo que ha hecho que te lances y saques tu primer trabajo? ¿Cómo surgió?
Después de grabar el Homenaje a Módulos tenía claro que quería emprender un proyecto personal y con canciones propias. Estuve unos meses maquetando ideas y fue en ese momento cuando me puse en contacto con Alonso Díaz de Napoleón Solo y empezamos a pulir las canciones. En un principio eran 14 temas pero se quedaron en 8 que guardaban más el concepto del disco.
Las letras de las canciones son abstractas, dan lugar a la interpretación, ¿De qué tratan exactamente?
Las letras de las canciones son muy abstractas como bien dices y también oníricas, parece que crean una línea argumental en el disco. Escribir letras es algo difícil y siempre se tiende a hablar de amor o desamor, de estados de ánimo… y en este caso se ha pasado por un filtro más abstracto.
Vemos que eres de Granada, lugar de donde son muchas otras bandas de género indie, además ha sido el sitio en el que has grabado el disco. ¿Cuánto ha influenciado en tu música el haber crecido como músico en esta ciudad?
Granada es una ciudad con un ambiente musical muy potente, eso influye de una manera muy directa. Que haya gente que comparta tus mismas inquietudes es básico para crear escena como la que se ha forjado desde la época de Los Ángeles, 091, Lagartija Nick… Estos pioneros han pasado su testigo de una forma generosa ayudando a los grupos que venían después.
Quería definir de alguna forma tu música, pero me resulta algo complicado, creo que es algo así como si hubieras metido en un frasco a MGMT, los Beatles y Tame Impala, ¿Me acerco o me quedo lejos?
Caliente, caliente… Hay muchas influencias en el disco y muchos sonidos que a la hora de grabar me sirvieron como referencia para grabar este disco: Sam Eviam, Jacco Gardner, MGMT, The Beach Boys…
¿Cómo te planteas los directos? ¿Qué banda te acompañará?
Ya hemos hecho algunos conciertos y hemos incluido algunos elementos que no estaban en el disco como la percusión. Siempre que podemos llevamos proyecciones con motivos psicodélicos que ayudan a crear una atmósfera para sumergirte en el ambiente que queremos crear con el show.
Para los directos vamos a ser unos cuantos. Popi González a la batería, Toni Jiménez a la guitarra, Carlos Marqués a los teclados, Roberto Escudero percusión y Julián Méndez al bajo. Todo un lujo poder tener esta formación.
Formas parte del sello El Ejército Rojo, sello fundado por Jota de Los Planetas, ¿Qué tal ha sido el trabajar con él?
Estos últimos años he trabajado con Los Planetas como parte de su equipo técnico en los conciertos. Cuando acabé el disco tanto Jota como Florent, mostraron mucho interés en el trabajo que había hecho y me propusieron sacar el disco con su sello El Ejército Rojo que querían reactivarlo después de mucho tiempo. Marian y Juan, los responsables que están llevando ahora el sello, me han apoyado mucho con todos las gestiones de promo.
En las canciones creas muchas atmósferas, hay mucha psicodelia, ¿Habrá lugar a la improvisación en los directos?
Sí, normalmente las canciones las desarrollamos más en directo y muchas partes las improvisamos, son temas que se prestan a ello y creo que nunca nos salen igual cada vez que las tocamos, cosa que se agradece para no cansarnos.
Hace poco hemos sabido que estarás en el Ebrovisión 2019, que se celebra el 5 y 7 de septiembre, ¿Hay otras fechas señaladas para poder verte en directo?
Ahora estamos organizando la temporada próxima con nuestra oficina I Wanna y pronto anunciaremos algunas fechas de cara al 2019.
La Maravillosa Orquesta del Alcohol charla con nosotros sobre su nuevo EP producido por Steve Albini.
Dicen que ha sido toda una experiencia, ya que este productor también lo fue de bandas del calibre de Nirvana o Pixies.
Hablan además de su gira con su disco Salvavida (De Las Balas Perdidas) y de muchas otras vivencias que han surgido gracias a su música.
Estás de gira con tu nuevo disco “How The Universe Works” ¿Qué experiencias estás viviendo?
Llevo cuatro conciertos, dos en Galicia, uno en Madrid y otro en Trujillo (Cáceres) y está siendo una experiencia muy positiva empezar a tocar las nuevas canciones en directo y ver la reacción de la gente.
Dices que tu nuevo disco habla de sentirse aislado y en caída libre, de heridas que nunca se cierran del todo, pero al mismo tiempo tus melodías tienen mucha luz, ¿Sentimientos encontrados entre letras y melodías?
Me siento más a componer cuando estoy triste o nostálgico que cuando estoy feliz, por lo que la mayoría de mis letras tienden más hacia ese extremo. Pero imagino que, aunque sea algo inconsciente, la necesidad de transformar todos esos sentimientos en algo positivo o de tirar hacia delante hace que las melodías sean más luminosas. En cualquier caso, me gusta ese contraste, siempre me ha parecido interesante.
¿Alguna canción que se te haya resistido a la hora de componer?
La canción que más tiempo tardé en terminar fue “Lucky Man”. La primera estrofa la escribí antes de publicar “42”, pero el resto lo compuse el mes antes de entrar al estudio. En general, no suelo escribir canciones en una tarde, voy juntando ideas que se me van ocurriendo durante meses, hasta que el puzzle está completo.
Además de en España, tu música también se conoce en el extranjero, de hecho has tocado en festivales como el WOMAD de Reino Unido. ¿Notas diferencias entre el público extranjero al español?
De momento, sólo he tenido esa experiencia tocando fuera de España y fue increíble, un regalo. El respeto durante el concierto, la respuesta que tuvimos al acabar… Fue algo mágico. En España también ha habido momentos fantásticos de conexión con el público, claro. Pero no sabría decirte diferencias, he vivido muchos conciertos en España y solo tengo una referencia en el extranjero con la que comparar, así que no puedo valorarlo.
Además de músico también estudiaste psicología. De alguna forma, ¿Se cuelan en tus canciones los conocimientos adquiridos sobre psicología o la mantienes a raya?
Creo que lo que aprendí durante los años de la carrera, tanto a nivel académico como a nivel humano por toda la gente con la que conviví, no se puede separar de mi música. La materia prima con la que se trabaja a veces puede ser la misma, pero el proceso es muy diferente. Las canciones pueden ser terapéuticas pero a veces también son una forma de recrearse en la herida.
¿Qué música escucha Eduardo Casero? ¿Tienes algún referente que te ha acompañado durante años? ¿Algún otro que sea más reciente?
Escucho casi cualquier tipo de música. Los artistas que más he estado escuchando últimamente han sido Mac Miller y Sigrid. Los referentes clásicos han sido The Beatles, Queen, Bob Dylan y Jimi Hendrix. Más actuales, me quedaría con John Mayer, Ryan Adams y Ben Howard. Nacionales me quedaría con Xoel López, Quique González y Vetusta Morla. Pero la lista sería interminable, he reducido al mínimo y seguro que mañana me arrepiento de los que no he incluido (Blur, Ben Harper, The Smiths, Jeff Buckley…).
¿Un sueño cumplido? ¿Y uno por cumplir?
Publicar un disco (ese lo he cumplido dos veces ya). Por cumplir muchos, hay muchas salas, ciudades y países en los que me encantaría tocar.
¿Dónde podremos disfrutar de tu directo?
Quien no quiera perderse nada, puede seguirme en mis redes. Dentro de poco publicaremos nuevas fechas, en 2019 empezaremos a rodar con el trío, empezaremos en Coruña en enero, pasaremos por Bilbao en febrero y e iremos más ciudades que están por anunciar.
La banda granadina lanzó su segundo LP titulado “Un Gran Presentimiento”
Hablamos con el grupo granadino Dolorosa porque han sacado el pasado 5 de octubre su segundo trabajo “Un Gran Presentimiento”.
Ya sólo con el título podemos adivinar cómo se sienten. Nos cuentan que han grabado un videoclip en una casa muy, MUY particular, que hay historias en sus canciones donde muchos nos podemos ver reflejados y de la forma en que han grabado este trabajo, retirados de la ciudad y el ruido, tranquilos, trabajando en su música.
Hoy están con nosotros Aterciopelados, grupo colombiano que ha venido a España para presentarnos su nuevo álbum Claroscura.
Nos han citado en las oficinas de Sony Music y, entre risas y anécdotas, han hablado de sus inicios y también de los sonidos que tiene su nuevo disco, entre muchas otras cosas.
La banda habla sobre sus 20 años sobre los escenarios y lo celebran con un concierto el 29 de diciembre en el WiZink de Madrid
Hoy estamos con Lori Meyers, banda granadina que celebra su 20 aniversario.
¿Que cómo lo celebran?
Bueno, pues han lanzado 20 Años, 21 Canciones, disco que recoge temas de sus trabajos anteriores. Además tiene maquetas, versiones y canciones inéditas.
Y ojo, porque el próximo 29 de diciembre celebrarán estos 20 años con un concierto en el WiZink de Madrid.
