'UN VERANO EN SIBERIA', DE CARENCIAS MATARILE: ROCK DE ENTRETIEMPO PARA ESTE OTOÑO
31 OCTUBRE 2022
Carencias Matarile acaba de lanzar su primer EP: ‘Un verano en Siberia’. Tras dos años lastrados a nivel musical por la pandemia, la banda, formada en Madrid en 2019 por Juan Casado (voz, guitarra), Juan Margallo (guitarra), Julio Téigell (bajo) y Javier Herrero (batería), consigue al fin dar el salto a plataformas digitales.
Su trabajo debut habla de la desconcertante sensación que produce creer que uno no es parte de la realidad en que vive. Atravesando ritmos contundentes que derivan en líneas melódicas sencillas, su música nos lleva a paisajes cálidos de sonidos noise y punk-pop, con letras directas que rozan la parodia, alternando con atmósferas nostálgicas, casi oníricas, de sonido frío e influencia art-rock.
La banda presentará Un verano en Siberia el sábado 19 de noviembre en la sala El Sótano, en el madrileño barrio de La Latina. Junto a ellos estarán los cántabros Leona que regresan con fuerza a la capital para presentar sus trabajos de este año.
Miranda! Presenta “Souvenir”, su esperado octavo álbum de estudio. Este nuevo material sintetiza todo el camino recorrido en sus 20 años de trayectoria, y los define de modo completo y absoluto.
“Souvenir” incluye una paleta de ritmos variados, que han sido tradición en el repertorio del dúo pop más importante de la Argentina: house (“Me Gustas Tanto”, “Por Amar al Amor”), dance hall (“Caía la Noche”), disco (“Que No Pare”), electrónica de los ochenta (“Luna de Papel”), canción guitarrera (“Casi Feliz”, “No Es lo que Parece”) y una electrónica más climática (“Entre las Dos”, “En el Bar”, “Un Tiempo”).
En palabras del propio Ale Sergi:
“Souvenir no es una vuelta a los inicios, es una revisión de toda nuestra carrera. En cada álbum siempre quisimos hacer algo diferente, pero esta vez quisimos hacer lo de siempre, pero mejor…
Una vez más trabajamos con Cachorro López en la producción y grabamos en nuestro estudio y en el de él. También hay tracks producidos por Gabriel Lucena.
Está instrumentado básicamente con máquinas y software: apenas una batería acústica (en “Casi Feliz”), un bajo eléctrico (en “Que No Pare”) y muy poca guitarra (en “Un Tiempo”, “Casi Feliz”); el resto es puro sintetizador, sampling y procesos digitales.
Tenemos dos colaboraciones de artistas amigos y admirados: Sidonie (España) y Javiera Mena (Chile). Con Javiera compusimos juntos “Entre las Dos” y con Sidonie trabajamos a distancia en una nueva versión de “Me Gustas Tanto”.
En cuanto a las letras, hablamos de los temas habituales, pero desde un punto de vista más reflexivo y menos impulsivo.
Es el comienzo de la tercera vida de Miranda!”.
Para su lanzamiento, Miranda! sorprendió a todos sus seguidores a nivel global con un impactante showcase audiovisual vía streaming, en el que presentaron cuatro canciones del álbum en un formato único: “Por Amar al Amor”, “Caía la Noche”, “Que No Pare” y “Me Gustas Tanto”.
Ya Lo Creo lanza su nuevo single ‘Rancio’, una canción que va al turrón y sin preámbulos, ya que viene para decirte que el novio de tu amiga es un auténtico rancio. Su letra, irónica y divertida a rabiar, puede ponerte de muy buen humor. Es electropop vacilón y su melodía hipervitaminada te asegura tres minutos de gloria en la pista de baile.
Carmen y Paulo son los responsables de la composición, grabación y producción de Rancio. Después de lanzar el pasado mes de abril su primer EP de título homónimo, sacan este tema como aperitivo, ya que tienen entre manos un porrón de canciones que verán la luz en un futuro no muy lejano.
Así pues, Rancio es una auténtica declaración de intenciones y un homenaje a las tontadas y problemas del primer mundo con las que puedes empatizar, bailar y reír, todo a la vez.
Hablamos con Guille Santa-Olalla antes de su concierto en El Rincón del Arte Nuevo de Madrid.
Nos cuenta que su nuevo disco ‘Azufre’ es su trabajo más personal, charlamos sobre su público, su trayectoria musical y también de los videoclips que ha producido él mismo.
Nos contaron cómo nació esta banda. Dicen que todo empezó porque son compañeros de piso y que de esa unión empezaron a salir las canciones.
Nos cuentan que están en la discográfica ‘Elefant Records’, también la forma en que hacen los directos y cómo vivieron la grabación del videoclip del tema ‘Las Plantas de la Terraza’.
Ya Lo Creo es un grupo de música realmente divertido. Las letras y estribillos son cantables, bailables, tarareables y sudables, se incrustan fuerte en el limbo cerebral y sobreviven.
Pero empecemos por el principio, que siempre es mejor. Ya Lo Creo es un experimento que salió bien.
Carmen y Paulo, quienes han pisado cientos de conciertos desde que crearon su propio medio de música Vatios Vatios, han formado su propio grupo.
Todo, absolutamente todo, lo han grabado en su casa, sin estudios, sin productores, a pelo. Carmen empezó a componer canciones sobre problemas del primer mundo. Escribió Siri para hablar de lo desgraciado que es el ser humano cuando no funciona el móvil, Underground que enumera los clichés del metro, Lady Vaga que trata de lo frustrante que es hacer dieta y deporte y Me Han Liado, en la que te lías y sales de fiesta.
Paulo ha hecho la música, toda la música. Eléctrica, bajo, batería, teclados, sintetizadores, percusión…todo. Los temas suenan a electrónica, también a pop. Paulo mezcla las canciones para que muevas tu musculatura, rías y te sientas bien a la vez.
Es un proyecto independiente de libro. Todo se lo guisan y se lo comen. Hay un videoclip de Siri que verá la luz en un tiempo, conciertos por delante y muchas ganas de hacer canciones.
EP disponible en formato físico y plataformas digitales. Grabado en ‘El Pisico Records’ y producido por Vatios Vatios. Madrid 2020.
DESCUBRE ‘SUER.T’, LA PRIMERA MIXTAPE DE SUPERMEGANADA
El trío barcelonés presenta 7 canciones de POP en mayúsculas con ritmos urbanos a base de vocoder.
Ya lo venían advirtiendo, la máquina de hits de Supermeganada ya está engrasada. Después de deleitarnos con singles como la aclamada ‘Vuelta al Cole’, la bailable y pegadiza ‘Cajera del Condis’, la rompecorazones ‘Tik-Tok’ y la versión de Yung Beef ‘Brazy’, Supermeganada llega con un nuevo largo bajo el brazo.
SUER.T es la primera mixtape de Supermeganada, un recopilatorio de 7 canciones que aúna lo mejor de cada género y afianza por fin un discurso musical tan contemporáneo como adictivo: las melodías directas del pop clásico, las guitarras cálidas del bedroom pop, los sintetizadores future, ritmos urbanos y vocoder. Una mezcla de cute pop y los mejores ingredientes del sonido actual que resulta en un álbum definitivo con el sonido tan característico de Supermeganada.
Un disco variado musicalmente, con temas 100% urbanos como ‘SUER.T’ y ‘Tomo Coca Cola, Tomo Pepsi También’, y canciones más cercanas al estilo tan peculiar de la banda como ‘Magic Sarap’, ‘Mucho Mejor’ y ‘Cajera del Condis’.
El álbum nos acerca a paisajes costumbristas desde una perspectiva a veces más luminosa y otras, más oscura. Tratan temas como el amor romántico y fraternal, la ironía y el autoconocimiento y, en repetidas ocasiones, hacen referencia a la suerte, entendida como las pequeñas decisiones que pueden cambiar rápidamente el futuro inmediato.
Todas las canciones han sido escritas por Supermeganada y producidas por Carzé. El trío formado por Víctor, Marc y Guille nos presenta un discurso tan actual como casual, con referencias nostálgicas a los artilugios de un 90’s teen y letras que retratan la vida misma con la que todos nos sentimos identificados. El retrato angustioso y a la vez inocente de la generación Millennial, que afronta el caos de la mejor manera, bailando.
Supermeganada actuará en Barcelona el día 6 de marzo en Punto G Festival y en Madrid el próximo 13 de marzo en Ídolo Club (Sala Alevosía) junto a Nevver.
PRÓXIMOS CONCIERTOS:
SUPERMEGANADA 6 de marzo PUNTO G FESTIVAL Barcelona ENTRADAS
SUPERMEGANADA + NEVVER 13 de marzo ÍDOLO CLUB (Sala Alevosía) Madrid ENTRADAS
Dicen que suenan a pop, pero en su música también hay electrónica y disco.
El pasado 18 de octubre dieron un concierto en la SalaIndependance de Madrid dentro del ciclo de conciertos Fetén y acudimos a este local.
Cuando los tienes delante suenan limpios, frescos, la música fluye en perfecta consonancia.
Las voces agudas dan personalidad a su sonido.
Además de las atmósferas que crean a través de los teclados.
La sala no estaba completamente llena, pero el público que había en el concierto se sabía todas sus canciones.
Cantaban y bailaban temas como “Áfrika”, de su último disco “Destellos”, que es perfecta para mover la musculatura, o “Épocas”, de su trabajo anterior, donde los coros te abrazan desde el minuto cero.
En los bises sonaron canciones de sus trabajos anteriores como “Golpes Bajos” de su disco “Texturas” del 2014.
Su melodía tiene guiños new wave y te hace ver que esta banda no se encasilla en nada, porque suena a muchos estilos.
Nos fuimos con la sensación de haber estado en un buen concierto.
CLUBZ es una banda para escuchar bailando, sentado o como sea.
AXOLOTES MEXICANOS: DIVERSIÓN Y FRESCURA EN LA SALA SOL
Axolotes Mexicanos es una banda asturiana afincada en Madrid. Dieron un concierto el pasado 13 de octubre en la sala Sol , dentro del ciclo de Momentos Alhambra.
Llamaba la atención la cantidad de público que había aquella noche. Había gente por todas partes.
En cuanto arrancó el directo, la personalidad de su cantante Olaya llenó prácticamente todo el escenario. Tiene una forma de ser particular. Es divertida, desenfadada. No tiene vergüenza en decir lo que piensa. De hecho, antes de cantar cada tema, explicó su significado, como la canción de Estanquero que va sobre un chico que trabajaba en un estanco y que a ella le gustaba.
Las canciones se sucedían y la banda sonaba de vicio. Suenan a pop electrónico pegadizo, su música también es algo disco. Algunas de las que tocaron fueron Astor, Farmacia, Interestelar o Disparo de Amor.
De hecho se notaba que los músicos han girado bastante , porque también forman parte de otras bandas. Juan, el batería y Mario, uno de los guitarristas, tocan en Carolina Durante. Lucas, que es otro de los guitarristas tiene una banda que se llama Confeti de Odio.
¿A destacar? La energía constante. De verdad que no pararon quietos ni un segundo. Olaya saltaba, cantaba y bailaba. Todo lo hacía a la vez
Juan era ritmo constante, y el resto de la banda se contagiaba. Aquel movimiento que hubo sobre el escenario se transmitía al público presente de manera ininterrumpida.
El que ha sido líder, compositor y vocalista deLa Raíz, presenta el nombre de su nueva formación, Ciudad Jara y verá la luz en febrero de 2020
Tras el parón de La Raíz, Pablo Sánchez (compositor y vocalista de esta) presenta Ciudad Jara, su nuevo proyecto personal, cuyo primer álbum verá la luz a principios del próximo año.
Grabado en los estudios de Casa Murada (Tarragona), bajo la producción de Santos&Fluren y Tato James y rodeado de músicos de primer nivel, Pablo Sánchez ha plasmado una docena de nuevas canciones.
Se trata de un disco cultivado con mimo durante más de un año, transita por la poesía, la sátira social, la canción popular y la sensibilidad del cantautor. Ciudad Jara viaja a través del rock, el rap o el pop, e incluso el country o el funk, consiguiendo una mezcla de sonidos y estilos que ya era habitual en los anteriores proyectos del artista.
Todo el álbum está atravesado, además, por la carga lírica tan característica de las canciones de Pablo.
Poco a poco se irán conociendo más detalles de esta nueva banda que arrancará el 2020 con disco y gira, mostrando mucho más de cerca a Pablo Sánchez.
FON ROMÁN: LA MÚSICA COMO LA VIDA ESTÁ EN CONTINUO CAMBIO
Fotografías: Jesús Cornejo
Fon Román lanza un nuevo disco titulado “La Chispa, la Llama y el Humo”. Tras años sin componer, ahora publica estas once canciones repletas de influencias de México, país en el que actualmente reside.
Pasaste años sin componer y, al trabajar en este disco, en la fase de grabación, dormías apenas 3 horas y hasta te emocionabas en el estudio, ¿Hasta qué punto influye la música en ti?
Sí, la grabación del disco fue muy intensa y muy emocionante. La música está presente en mi vida desde siempre, primero como oyente y luego también como creador. Siempre ha sido un nutriente indispensable para sostenerme.
En estas once canciones de tu nuevo disco “La chispa, la Llama y el Humo”, ¿Qué es lo que cuentan estos temas? ¿De qué tratan?
El tema de trasfondo es el cambio, la transformación y la impermanencia; de ahí el título La Chispa (lo que aparece en un instante), La Llama (lo que se sostiene un tiempo) y El Humo (lo que se extingue, muda y cambia a otra cosa).
En el tema “Lo Que No Soy Capaz” hay un bombo cuadrado y un bajo que parece que sea un corazón latiendo, ¿Los instrumentos en las canciones están pensados de alguna manera para que transmitan lo que dicen las letras?
En algunos casos, pero generalmente son complementos
para potenciar el mensaje; por eso las producciones de los discos suelen ser
importantes para darle un carácter.
Escribiste
estas canciones en una casa en las afueras de México en compañía de ti mismo, ¿La
soledad te ayudó a encontrar las melodías y letras que buscabas?
No fueron todas las canciones pero lo interesante de ese retiro es que compuse El Equilibrio es Posible y La Chispa; y a raíz de esta última se me ocurrió todo el concepto del álbum.
Llevas en
México desde el 2014 y es el país donde resides principalmente, ¿Ha
influenciado lo que has vivido allí en este disco?
Pues los viajes siempre mueven, y más si vas a otros países y vives durante años. Precipitar cambios en uno a nivel personal tiene al final una consecuencia musical y creativa.
Hoy en día
parece que cuesta que el público escuche un disco entero, ¿Crees que los discos
que tienen un concepto unitario como este son difíciles de entender en la época
en la que vivimos?
Bueno, Rosalía sacó un disco con esas características y mira el resultado. Es cuestión de que haya una difusión apropiada para que el mensaje llegue.
En la
versión acústica de los temas, has contado con la colaboración de colegas como
Iván Ferreiro, Zahara, Coque Malla e Izal. ¿Cómo surgió esta idea del formato
acústico?
Quería hacer versiones en acústicos como adelantos, para
mostrar en crudo las canciones. Además de la amistad, todas las voces encajaban
perfectamente con los temas que seleccioné como singles.
Desde que
empezaste tu carrera musical como guitarrista en Los Piratas hasta ahora,
¿Sientes que el mundo de la música ha cambiado? ¿La vives igual o diferente?
La música como la vida está en continuo cambio. El reto es adaptarse a esos cambios, intentando fluir con ellos. Y obviamente en la época de Piratas no existía Spotify, ni YouTube y comenzaban las redes.
Conciertos / 30 septiembre 2019 30 septiembre 2019
LOS ESTANQUES Y MARÍA YFEU: PSICODELIA Y SOUL EN UNA MISMA VELADA
Las dos bandas dieron un concierto el pasado 19 de septiembre en la Sala El Sol de Madrid
De
entrada septiembre es un mes bastante malo porque se acaban las vacaciones, el
buen tiempo y la vida, en general. Pero si rascas un poquito, hay algo de
septiembre que sí que es positivo, arrancan los conciertos en las salas. Exacto,
porque el FIB, el Low, el BBK y tal se han acabado, ahora es tiempo de
refugiarse en pequeñas salas para escuchar un concierto bien, bien (bien).
Es 19 de septiembre y Los Estanques van a dar un concierto en la sala El Sol, así que voy. Llego con tiempo, la sala todavía está algo vacía, aprovecho y voy a por una cerveza, es cuando el camarero me informa de que sólo tienen San Miguel porque el evento lo organiza esta cerveza (maldición).
Me
coloco en primera fila y aparecen los teloneros María Yfeu. Lo reconozco, no tengo ni idea de quienes son. Una vez
preparados, María empieza a cantar y yo no me lo puedo creer, su voz es preciosa,
de verdad. Suena a soul, a Amy Winehouse pero algo más dulce. El teclado
acompaña a María en cada nota, la batería y la guitarra también. Todo está en armonía.
María canta con un vozarrón del copón pero parece que no le cueste absolutamente nada soltar tantos decibelios. Ella canta y sonríe, cierra los ojos, se mete en la canción. Sus canciones son frescas, vivas, sinuosas. De hecho con Grudges la sala enmudece, de repente sólo está su voz y los instrumentos, revoloteando por cada rincón de la Sol.
El concierto termina muy a mi pesar y es el turno de Los Estanques. Los cuatro miembros de la banda empiezan a llenar el escenario de instrumentos. Una vez listos, el concierto empieza y todo es sonido y color. El teclado no para de sonar, el bajo lo acompaña, la batería va sin frenos y la eléctrica coge de la mano a todos los instrumentos. La música crece, crece y crece, se retuerce, cambia y se mueve.
La banda toca sin parar, llevan como bandera el pop progresivo y la psicodelia, tienen personalidad, tienen energía, derriban todo lo que se cruza en su camino. Tocan Percal, de su disco del 2017 Contiene Percal, y todo son voces agudas, teclados y eléctricas. Ya al rato se sumergen en su nuevo trabajo Los Estanques del 2019, con ¡Joder! un tema de rock que tiene una letra peleona y por inercia todos cantamos al unísono su estribillo. Luego con Clamando El Error, todo toma aires desenfadados, la melodía fluye y el teclado y la batería toma las riendas de la canción. Después suenan otros temas como Vietnam de Contiene Percal y la sala ya está entregada. La gente baila de un lado a otro, gritan, saltan.
Cuando el directo llega a su fin salgo de la Sol encantada. Ha sido una noche distinta, porque he escuchado dos bandas que son diferentes en cuanto a música se refiere, pero si hablamos de la calidad de la música, las dos van sobradas, mucho.
En sus canciones se mezclan sonidos que algo se acercan al pop junto a ambientes densos de rock. Eso sí, la eléctrica está presente en todos sus temas.
Cuando Denea sale al escenario la sala está llena.
Le dan un repaso a su nuevo disco 8 Rojo. Son canciones para bailar y saltar, así que el público hace lo propio y se pone en movimiento.
En el escenario hay bastante fuerza, en directo las canciones están más vivas. Hay mucha energía y ganas .
Canciones de género indie y pop rock se cuelan por la sala. Hay buena química entre los músicos, algo que facilita que temas como “Nervios” o “La Luz” lleguen al público con la fuerza suficiente para que calen.
Denea ha pisado fuerte. Solo han pasado dos años desde el lanzamiento de 8 Rojo pero en este directo parece que lleven décadas sobre los escenarios.
Tras más de 30 conciertos y cientos de kilómetros recorridos, Modelo de Respuesta Polar pone punto y final a su gira Más Movimientos. Lo harán con cuatro conciertos especiales en los que repasarán los temas de su último álbum.
Después de un verano de festivales como Mad Cool, Sonorama Ribera, Vida Festival, Low Festival, Ebrovisión, Santander Music, MUWI o Warm Up Estrella de Levante, Modelo de Respuesta Polar continuaron con su gira “Más Movimientos” por salas de ciudades como Albacete, Barcelona, Valladolid, Gijón, Murcia, Palencia y Zamora.
Barcelona, Valencia y dos noches en Madrid (22 y 23 de febrero) será la última oportunidad de ver a los valencianos antes de que se tomen un descanso de los escenarios y vuelvan al estudio a preparar lo que será su siguiente trabajo.
Nosotros tuvimos la suerte de poder charlar un rato con Borja Mompó, cantante de la banda, y preguntarle sobre lo que fue, lo que es, y lo que será Modelo de Respuesta Polar.
Dos conciertos durante dos noches
distintas en un mismo sitio, la sala Sol. La noche del 22 y 23 de febrero
Madrid se va a llenar de vuestras canciones. ¿Se multiplican los nervios? O
quizá, tras más de 30 conciertos durante esta gira ¿Ya no hay nervios que
valgan?
Siempre hay nervios. Es bueno y nos gusta sentir esa sensación.
Por eso quizás intentamos que cada concierto sea algo distinto, con canciones
diferentes, siempre que podemos hacerlo. Ese probar cosas nuevas te mantiene
alerta y hace que estés consciente en todo momento de lo que ocurre. No nos
gusta poner el piloto automático.
Durante esta gira habéis pasado por
muchas salas, ¿Qué habéis encontrado en una sala que no os lo da un festival?
Por suerte somos una banda con muchos formatos y que disfruta
tocando en todo tipo de escenarios. Nuestros discos van desde lo más intimista hasta
canciones con mucha fuerza, simplemente tenemos que elegir bien el repertorio y
disfrutar de cada espacio.
¿Un
concierto de esta gira que os haya emocionado?
Quizás el último que hicimos en Madrid, en el
Teatro Lara tuvo muchos matices y momentos de todo tipo. Fue la puesta de largo
del disco Más Movimientos y pudimos desplegar todo el repertorio sin prisas y
en un escenario precioso.
Sonáis a Modelo en todos vuestros
discos pero cada uno tiene su esencia particular, ¿De qué habéis alimentado a
“Más Movimientos”? ¿Qué sonidos os han influido? ¿Qué experiencias pueden
leerse entre líneas?
Es un disco que se fraguó estando de gira. Tiene ese punto directo, desenfadado y urgente. Es esa urgencia y esa electricidad lo que le hace único. Posiblemente si lo hubiéramos reposado un poco más no hubiera sido el mismo disco y en ese momento queríamos que fuese un disco directo y fresco.
Hay mucho de ti en las canciones,
muchas historias, distintos momentos, movimientos…¿Hay algún tema del disco que
le tengas especial cariño en comparación con el resto? ¿Por qué?
Dejar ir. Es una canción pequeña, que habla de una persona en concreto y transmite la misma luz que esta persona transmitía.
En tus letras te desnudas y hablas de
experiencias personales ¿Puede llegar a ser contraproducente eso de contar una
y otra vez situaciones algo difíciles?
He tenido la suerte de rodearme bien de cerca de personas a las
que aprecio y admiro. Aunque las historias se acaben o se transformen, quedan
las personas y siempre me es grato recordarlas.
Ahora que lleváis tantos años de
carrera, ¿Qué os ha enseñado la música como profesión?
Nos ha enseñado a conocernos individualmente y como banda. Nos ha
enseñado a viajar, a comer bien y a escuchar a la gente que nos vamos
encontrando. Es una profesión preciosa, con muchas aristas, pero muy
instructiva.
¿Qué nuevos proyectos tiene Modelo de
Respuesta Polar entre manos?
Necesitamos bajar un poco el ritmo de conciertos. Son dos años y medio de gira y creemos que es buen momento para no exponernos tanto y volver al local. Disfrutamos mucho en todos los ámbitos de la música y volver a componer es algo que nos entusiasma.
Después de varios Singles y dos Mini-LPs; de que sus canciones hayan cruzado una buena parte de los océanos de este mundo; de haber actuado en festivales como el Popfest de Nueva York o el Indietracks de Inglaterra; y tras casi cuatro años de silencio desde Nordeste, su último mini-LP, por fin tenemos entre nuestras manos una nueva referencia y hoy celebramos la llegada de Hinoki, el primer LP de la banda asturiana.
Y puede que su título no sea en balde. El Hinoki es un tipo de ciprés japonés que crece muy lentamente pero que puede llegar a medir más de 25 metros de altura, y cuya madera se utilizaba principalmente para construir palacios. ¿Una llamada a la paciencia? ¿A no apresurarse y dar los pasos lentamente, pero con convicción? En cualquier caso, no cabe duda que Hinoki suena menos urgente que sus entregas precedentes, aunque no por ello menos ágil y adictivo.
⬇ Escucha Hinoki en Spotify ⬇
Un disco en el que además no ocultan, y esta vez más que nunca, su pasión por AVENTURAS DE KIRLIAN y LE MANS.
¿Madurez? Sí y no. Porque las canciones de Helena y Nel siguen evocándonos juventud y rebeldía, energía y vitalidad, pero al mismo tiempo muestran un poso que sólo el tiempo puede revelar. Hinoki es uno de esos discos construido con mimbres transparentes que traza una línea directa con el oyente, que huye de coartadas artísticas y que, al final, no hace más que plantear algo que debería ser un lema a día de hoy. Y es que la música es una forma de conexión y comunicación. Que hay mucho teléfono roto. Y que es maravilloso cuando te das cuenta que un grupo como LOS BONSÁIS te está invitando a escuchar.
Helena nos regala de nuevo una maravillosa portada en la que despliega, como en sus discos anteriores, todo su talento y buen gusto como artista plástica.
Estás de gira con tu nuevo disco “How The Universe Works” ¿Qué experiencias estás viviendo?
Llevo cuatro conciertos, dos en Galicia, uno en Madrid y otro en Trujillo (Cáceres) y está siendo una experiencia muy positiva empezar a tocar las nuevas canciones en directo y ver la reacción de la gente.
Dices que tu nuevo disco habla de sentirse aislado y en caída libre, de heridas que nunca se cierran del todo, pero al mismo tiempo tus melodías tienen mucha luz, ¿Sentimientos encontrados entre letras y melodías?
Me siento más a componer cuando estoy triste o nostálgico que cuando estoy feliz, por lo que la mayoría de mis letras tienden más hacia ese extremo. Pero imagino que, aunque sea algo inconsciente, la necesidad de transformar todos esos sentimientos en algo positivo o de tirar hacia delante hace que las melodías sean más luminosas. En cualquier caso, me gusta ese contraste, siempre me ha parecido interesante.
¿Alguna canción que se te haya resistido a la hora de componer?
La canción que más tiempo tardé en terminar fue “Lucky Man”. La primera estrofa la escribí antes de publicar “42”, pero el resto lo compuse el mes antes de entrar al estudio. En general, no suelo escribir canciones en una tarde, voy juntando ideas que se me van ocurriendo durante meses, hasta que el puzzle está completo.
Además de en España, tu música también se conoce en el extranjero, de hecho has tocado en festivales como el WOMAD de Reino Unido. ¿Notas diferencias entre el público extranjero al español?
De momento, sólo he tenido esa experiencia tocando fuera de España y fue increíble, un regalo. El respeto durante el concierto, la respuesta que tuvimos al acabar… Fue algo mágico. En España también ha habido momentos fantásticos de conexión con el público, claro. Pero no sabría decirte diferencias, he vivido muchos conciertos en España y solo tengo una referencia en el extranjero con la que comparar, así que no puedo valorarlo.
Además de músico también estudiaste psicología. De alguna forma, ¿Se cuelan en tus canciones los conocimientos adquiridos sobre psicología o la mantienes a raya?
Creo que lo que aprendí durante los años de la carrera, tanto a nivel académico como a nivel humano por toda la gente con la que conviví, no se puede separar de mi música. La materia prima con la que se trabaja a veces puede ser la misma, pero el proceso es muy diferente. Las canciones pueden ser terapéuticas pero a veces también son una forma de recrearse en la herida.
¿Qué música escucha Eduardo Casero? ¿Tienes algún referente que te ha acompañado durante años? ¿Algún otro que sea más reciente?
Escucho casi cualquier tipo de música. Los artistas que más he estado escuchando últimamente han sido Mac Miller y Sigrid. Los referentes clásicos han sido The Beatles, Queen, Bob Dylan y Jimi Hendrix. Más actuales, me quedaría con John Mayer, Ryan Adams y Ben Howard. Nacionales me quedaría con Xoel López, Quique González y Vetusta Morla. Pero la lista sería interminable, he reducido al mínimo y seguro que mañana me arrepiento de los que no he incluido (Blur, Ben Harper, The Smiths, Jeff Buckley…).
¿Un sueño cumplido? ¿Y uno por cumplir?
Publicar un disco (ese lo he cumplido dos veces ya). Por cumplir muchos, hay muchas salas, ciudades y países en los que me encantaría tocar.
¿Dónde podremos disfrutar de tu directo?
Quien no quiera perderse nada, puede seguirme en mis redes. Dentro de poco publicaremos nuevas fechas, en 2019 empezaremos a rodar con el trío, empezaremos en Coruña en enero, pasaremos por Bilbao en febrero y e iremos más ciudades que están por anunciar.
